Cei mai mari 25 de actori ai secolului 21 (pana acum)

MANOHLA DARGIS Cand thriller-ul lui Alejandro Gonzalez Inarritu „Amores Perros” si filmul rutier al lui Alfonso Cuaron „Y Tu Mama Tambien” au fost lansate in casele de arta americane la un an distanta, socurile au fost seismice. In curand, directorii lor se indreptau spre renumele international, la fel si Gael Garcia Bernal, vedeta lor comuna. Era inzestrat, tinea ecranul si avea o fata pe care o priveai mereu, partial pentru ca – cu ochii de doe si cu maxilarul felinarului – contopea perfect ideile de frumusete feminina si masculina.

Acest contrast nu a fost deosebit de evident in „Amores Perros” (2001), dar ajuta la imbogatirea „Y Tu Mama Tambien” (2002), o poveste plina de suflet, care se deschide cu un hohot si se sfarseste intr-un suspin . Garcia Bernal il interpreteaza pe Julio, un adolescent din clasa muncitoare intr-o calatorie de descoperire (a sinelui, a altora). Impreuna cu cel mai bun prieten al sau (interpretat de Diego Luna), Julio trece prin viata fara sa tina seama pana nu o face. Pe masura ce raguseala povestii se linisteste, machismul adolescent al lui Julio dispare, inlocuit de gandirea pe care actorul o face atat de fizica, vezi personajul retragandu-se in interiorul sau.

Pana in 2004, Garcia Bernal aparuse in „The Motorcycle Diaries” in Walter Salles ca tanarul Che Guevara si a jucat un cameleon duplicitar in „Bad Education” a lui Pedro Almodovar. Almodovar a pus actorul in tocuri sa joace o femeie neagra, un rol caruia aparent nu i-a placut lui Garcia Bernal, dar care i-a adancit personalitatea cu un pete de ruj si o raceala psihologica care a creat noi socuri.

AO SCOTT In „Nu” (2013) al lui Pablo Larrain, Garcia Bernal il interpreteaza pe Rene Saavedra, un tanar creator publicitar fierbinte din Chile din anii 1980, cu farmecul sau obisnuit. Este cool, dar nu intimidant; aratos in aceeasi masura; amuzant, dar nu pana la oboseala; increzator in sine, dar nu un nebun. La inceput, este usor sa subestimezi atat pe Rene, cat si pe Garcia Bernal, pentru a confunda naturaletea lor casuala si modesta cu lipsa de gravitas sau ambarcatiuni. Rene este inrolat de un grup de partide politice de opozitie pentru a produce spoturi de televiziune care sustin un vot „nu” la un referendum care prelungeste dictatura lui Augusto Pinochet. Sarcina lui Rene este de a vinde respingerea ca o alegere optimista, de a recunoaste brutalitatea regimului lui Pinochet, concentrandu-se in acelasi timp asupra viitorului fericit fara el. Desi Rene crede in cauza, el considera, de asemenea, o provocare de marketing,

Depinde de Garcia Bernal sa furnizeze legatura dramatica dintre banalitatile afacerilor media si teroarea represiunii politice si o face aproape in intregime cu ochii sai. Intr-o noapte, apartamentul pe care il impartaseste cu tanarul sau fiu este vandalizat in timp ce ei dorm si, in acel moment, tocatorul lui Rene rezolva lichefierile in frica pura. A doua zi se intoarce la serviciu si atat el, cat si publicul au o intelegere noua si profunda a ceea ce inseamna lucrarea.

Inchiriati sau cumparati „Nu” pe principalele platforme de streaming.

MANOHLA DARGIS Am revazut recent „Varsatorul” (2016) pentru oda noastra catre Sonia Braga. Pentru cei care nu l-au vazut: Braga joaca rolul lui Clara, o scriitoare al carei apartament are vedere la Atlantic. Cea mai mare parte a povestii o urmareste pe Clara doar traindu-si viata in timp ce-si indeparteaza proprietarul. Braga se potriveste perfect in minunatul si realismul realist al regizorului Kleber Mendonca Filho. De data aceasta, in timp ce vizionam filmul, desi – partial determinat de, ahem, un titlu de capitol numit „Parul Clarei” – am observat cum Braga continua sa-si rearanjeze opulenta perdea de par. Si, in timp ce o matura si o dezamagi, mi-am dat seama ca Mendonca nu prezenta doar un personaj, ci si legenda care o interpreteaza.

AO SCOTT Este un memento – subliminal si descumpanit in acelasi timp – ca Braga a fost o afacere importanta in Brazilia si nu numai in anii 1970 si 80, raspunsul natiunii sale la Sophia Loren. Filmele sale cu Mendonca („Bacurau” anul acesta, precum si „Varsator”) se bazeaza pe acea istorie si exploateaza carisma ei din vechea scoala. Dar nu sunt doar ture de cariera tarzie. Clara nu este Sonia Braga: este o femeie foarte specifica, cu propria sa istorie de realizari, relatii amoroase si regrete. Dar numai o interpreta cu siguranta de sine totala a lui Braga, indiferenta ei eroica fata de ceea ce crede oricine altcineva despre ea, ar putea sa o aduca la viata pe Clara.

DARGIS Totusi, ceea ce mi s-a parut fascinant despre „Varsator” de data aceasta este ca Clara este si Braga, in sensul ca sensul personajului este partial modelat de tot ceea ce Braga aduce ori de cate ori apare pe ecran, inclusiv istoria ei in cinematografia braziliana ca femeie cu ascendenta mixta. precum si aventurile ei la Hollywood. Exista ceva fantastic de eliberator care il urmareste pe Braga jucand aceasta femeie maiestuoasa, care are riduri vizibile si nu a avut niciodata reconstructie a sanilor dupa mastectomia ei. Acest lucru este valabil mai ales avand in vedere modul in care Braga a fost odata sclavizat ca o stea sexuala. „Nu exista altceva care sa o numeasca”, a scris odata un critic de sex masculin – ei bine, ai putea sa-i spui actrita.

SCOTT Competenta ei se manifesta intr-un mod total diferit in „Bacurau” in acest an, o alegorie fantastica (si violenta) fantastic-fantezista (si violenta) a Braziliei in criza care se indeparteaza de realismul celorlalte filme ale lui Mendonca fara a-si abandona pasiunea politica sau umanismul. Braga, parte dintr-un ansamblu extins care include actori neprofesionisti, este esentiala in acest sens. Ea joaca rolul lui Domingas, un medic din orasele mici, cu o problema de baut si cu o personalitate uneori abraziva – un rol dezamagit, comic, pe care nimeni altcineva nu l-ar fi reusit cu o asemenea profunzime si gratie. Sau, asa cum a spus Mendonca, „Intr-o simfonie, ea ar fi pianul”.

Transmiteti „Bacurau” pe canalul Criterion si „Varsator” pe Netflix.

AO SCOTT Mahershala Ali are una dintre fetele grozave din filmele moderne – acei pometi sculptati, acea spranceana inalta, contemplativa, ochii aceia nuantati de melancolie. Prezenta sa pe camera este magnetica, dar si vigilenta si vicleana. Personajele sale tind spre reticenta, pazire, dar rezerva lor este propria forma de elocventa, soaptele lor sunt mai rezonante decat orice strigat.

Ali a castigat doua premii Oscar pentru cel mai bun actor in rol secundar. Primul a fost pentru „Moonlight” (2016), in care a demolat in liniste un stereotip durabil de la Hollywood. Juan este traficant de droguri, o figura a distrugerii comunitatii si a violentei implicite. Ceea ce il defineste, totusi, este blandetea sa, bunatatea neconditionata pe care o acorda lui Chiron, tanarul protagonist. Juan il asculta pe baiat; isi raspunde la intrebari; intr-una dintre cele mai emotionante scene ale filmului, el il invata sa inoate.

Si apoi, intre primul si al doilea act, el dispare. Dar Ali bantuie filmul chiar si dupa plecarea sa. El este atat imaginea sa tragica, hranitoare a barbatiei, cat si primul om demn de dragostea lui Chiron.

MANOHLA DARGIS Ali mi-a atras atentia pentru prima data in seria Netflix „House of Cards”. El l-a interpretat pe Remy Danton, un avocat din Washington al carui zambet stiutor ar putea palpai ca un avertisment, semnaland pericolul din lumea sa. Remy a intrat in al doilea episod intr-o scena la un restaurant, unde personajul principal, Frank Underwood (Kevin Spacey), mananca alaturi de alti doi brokeri de putere. Remy nu sta deasupra barbatilor asezati, el se contureaza. Stii ca Underwood este o veste proasta, dar atunci cand regizorul David Fincher se taie pe fata lui Remy, Ali isi schimba brusc temperatura, lasandu-si fatada favorabila pentru a fi ingrijoratoare, aratand clar ca nu vorbeste cu un barbat, ci cu un pradator. .

Eram atat de obisnuit sa-l vad pe Ali intr-un costum personalizat (si uneori in afara), incat nu l-am recunoscut la inceput in „Moonlight”. Nu au fost pur si simplu diferitele dulapuri, ci purtarea precisa pe care Ali a dat-o fiecarui om, variatii ale corpurilor, da, dar si modul in care acele corpuri se misca si semnifica. In „House of Cards”, Remy curge si au existat momente in care am crezut ca ma uit la urmatorul James Bond. In „Moonlight”, Ali creeaza un personaj titanic a carui forta, chiar si dupa ce a disparut din film, continua sa rezoneze. Actorul creeaza un personaj foarte diferit in „Cartea verde” (2018, al doilea sau castigator al premiului Oscar), de data aceasta cu un spectacol – in calitate de muzician Don Shirley, pe care Ali il interpreteaza ca om si ca cetate aparata – care depaseste filmul.

SCOTT Aproape as spune ca spectacolul este opusul filmului. Ali este gratios, intelept si constient de sine, in timp ce „Cartea verde” este neindemanatic, glumet si orb fata de propriile insensibilitati. Nu sunt sigur ca vreun alt actor s-ar fi putut descurca cu o atata demnitate in faimoasa scena de pui prajit. Ca „Cartea verde” si „Lumina lunii” au fost ambii castigatori ai celor mai bune imagini, vorbeste despre contradictiile momentului nostru cultural, dar este o dovada a talentului lui Ali ca mestesugul sau subtil si carisma sa de neclintit pot ancora doua astfel de filme divergente.

Transmiteti „Moonlight” pe Netflix.

MANOHLA DARGIS Cand criticii anatomizeaza artisti comici precum Melissa McCarthy, ne referim adesea la calitati familiare precum sincronizarea, gratia si fizionomia elastica. Dar vorbim si despre actorie. De cand a facut trecerea de la televizor la filme, McCarthy si-a demonstrat in repetate randuri gama si a ajutat in mod exaltant sa demoleze ideile regresive despre cine devine o stea de film. Niciun film nu a servit-o mai bine decat „Spy” (2015) in care o interpreteaza pe Susan, o timida analista a CIA care a trimis intr-o misiune ciudata, care ii permite lui McCarthy sa manance si apoi sa injure.

Esential pentru distractia subversiva a „Spionului” este modul in care foloseste conventiile de gen pentru a prezenta talentele lui McCarthy in timp ce arunca in aer stereotipurile. Susan contine multimi, mai intai ca auto-protectie (isi amortizeaza focul) si mai tarziu ca expresie a umanitatii sale. Pe teren, ea isi asuma cu nefericire mai multe deghizari neplacute, tragic begetate – variatii ale modului in care o vad altii – inainte de a se transforma intr-o fantezie sexy, care vorbeste gunoi, dupa propriul ei design. In timp ce Susan isi da jos parul si inhibitiile, McCarthy se desface. Vocea ei bazaie, mana ei fluturata se loveste in pumni, fata ei de papusa Kewpie merge pe Medusa. McCarthy nu joaca o singura femeie – este cu totii, cu razbunare.

AO SCOTT Lee Israel este amuzant. Ea impartaseste un spirit verbal rapid si furios agresiv cu unele dintre celelalte creatii ale lui McCarthy, precum Tammy in „Tammy” (2014) si Mullins in „The Heat” (2013). Dar Lee era o persoana reala si „Poti sa ma ierti vreodata?” (2018) nu este tocmai o comedie. Nici nu este un film biografic, ci mai degraba o felie foarte specifica de viata ciudata si literara din New York-ul secolului al XX-lea, infasurata printr-o imagine nepotrivita a unui prieten si rasucita intr-un film caper.

Lee nu este usor de apreciat sau de radacinat. Este abraziva, auto-absorbita si auto-sabotanta. Ea instraineaza prietenii si mentine o atenuare atat de slaba a eticii, cat si a sobrietatii. McCarthy se opune transformarii povestii sale – care implica schimbarea unei cariere sovaitoare ca scriitoare pentru o perioada lucrativa ca falsificator de scrisori ale unor scriitori celebri – intr-o parabola de recuperare sau rascumparare.

Este vorba despre modul in care Lee si colegul ei (minunatul Richard E. Grant) pariaza pe supravietuire, razvratindu-se impotriva soartei pe care o lume indiferenta le-a pregatit pentru ei. Titlul filmului pune o intrebare sincera. Poate ca nu-l poti ierta pe Lee pentru caderele si minciunile ei, lipsa ei de consideratie pentru cuvintele si sentimentele altor persoane. Dar nu ai cum sa o uiti.

Inchiriati sau cumparati „Spion” si „Poti sa ma ierti vreodata?” pe majoritatea platformelor majore.

De Marjane Satrapi

Intr-o cariera indelungata care lucreaza cu cine este cine de autori, Deneuve a reprezentat un anumit fel de frantuzoaica eleganta, indiferent daca joaca o sotie obisnuita, un proprietar de bistro cu noroc sau chiar o mama iraniana. Pentru acest ultim rol, in animatia „Persepolis” (2007). Deneuve a exprimat un personaj bazat pe mama lui Marjane Satrapi. L-am rugat pe Satrapi, care a regizat filmul cu Vincent Paronnaud, sa explice de ce a cautat-o ​​pe Deneuve.

Daca locuiti in Franta, Catherine Deneuve este simbolul. Cand am crescut, ea a fost visul. A facut intotdeauna alegeri prea avansate pentru timpul ei, mai anarhiste decat burgheze. A aratat intotdeauna ca o pariziana foarte burgheza, ceea ce nu este absolut adevarat. Este o rebela care arata ca o mare dame.

Prima data cand am intalnit-o pe Catherine Deneuve a fost ca si cand am intalnit-o personal pe Dumnezeu. Am fost atat de impresionat. Si totusi, a trebuit sa o conduc si nu am indraznit sa-i spun nimic. Primele doua ore, am fost complet paralizat si ea m-a linistit. Mi-a spus, pentru ca este o femeie foarte generoasa: „Tu esti regizorul si eu sunt actrita ta. Spune-mi ce sa fac si o voi face. ” Nu a facut-o in fata altor oameni. Ea a spus: „Hai sa luam o tigara” si mi-a spus-o in mod privat.

Pentru personajul mamei, aveam nevoie sa am pe cineva care nu este aceasta mama eterna, care este foarte draguta, pentru ca aceasta nu este mama mea. Mama mea este o persoana foarte draguta, dar spune: „Faceti asta. Sa faci asta.” Aveam nevoie de cineva care sa aiba puterea unei femei care doreste ca fiica ei sa [isi faca viata] mai buna si sa fie mai emancipata. Catherine Deneuve are acest mod de a vorbi care nu este jucaus, pentru ca nu incearca sa fie simpatic. Este foarte sincera. Cand vorbeste cu tine, te priveste direct in ochi.

Nu incearca sa fie placuta. Este foarte sincera.

Exista aceasta scena cand vin acasa si mama incepe sa-mi strige: „Stii ce fac cu fetele tinere din Iran? Trebuie sa iesi din aceasta tara. ” Imi amintesc ca atunci cand a jucat-o, a fost putin oprita. A incercat sa se contina asa cum o face in mod normal. Mi-am spus: „Nu, Catherine, esti cu adevarat scapata”. A facut-o si de fapt a plans. A fost extrem de emotionant.

Si totusi, dupa toti acesti ani, de fiecare data cand o vad, am bataile inimii. Este ca un leu. Nu este tare, nu face gesturi. Dar chiar daca este in spatele tau si nu o vezi, simti ca o felina este in camera. Se simte in acelasi timp foarte incitant si foarte periculos. Este feroce si este neinfricata si imi place asta la ea. – Interviu de Kathryn Shattuck

Inchiriati sau cumparati „Persepolis” pe majoritatea platformelor importante.

AO SCOTT Marii actori de personaje sunt stapani ai paradoxului, deopotriva de nesters si invizibili. Nu ii recunoasteti neaparat de la un rol la altul, dar isi lasa amprenta pe fiecare film, imbunatatind intregul chiar si in parti mici.

Daca ai vazut „Mudbound”, „Monsters and Men”, „The Last Black Man in San Francisco” si „Just Mercy” – patru filme lansate intre 2017 si 2019 – esti constient de Rob Morgan, indiferent daca ii stii sau nu numele .

In calitate de prizonier la moarte in „Just Mercy”, el este o prezenta remarcabila, un om linistit bantuit de remuscari, neputinta si frica, a carui situatie cuprinde argumentul umanist al filmului.

In fiecare dintre celelalte filme, joaca rolul unui tata, in Jim Crow South si in nordul urban modern – un om care stie mai multe decat alege sa spuna. Fiii din acele filme vorbesc majoritatea, dar Morgan da expresie elocventa experientelor care se afla in afara povestii principale, chiar daca o fundamenteaza intr-o istorie mai ampla. In „Ultimul om negru” apare intr-o mana de scene si rosteste doar cateva randuri, dar tot ceea ce este vorba despre film – placerile si dezamagirile vietii la marginea unui oras idiosincratic, care se schimba rapid – este scris pe chipul sau. Asculta, mesteca seminte de floarea soarelui, canta cateva acorduri pe o veche organa de teava si dupa cateva minute in prezenta lui intelegi exact ce trebuie sa stii.

MANOHLA DARGIS Din cand in cand, un mic film ofera unui actor sansa de a deveni mai mare si de a tine centrul, ceea ce face Morgan in „Bull” (2020) al lui Annie Silverstein. El il interpreteaza pe Abe, un fost calaret de taur rodeo cu articulatii rigide, sange in urina si o viata fragila. Dupa ce a calcat cu tauri cu cateva zile, acum lucreaza la sol ca toreador, ajutand la protejarea calaretilor cazuti. Rolul lui Abe, milostiv, nu este suprascris, ceea ce ii permite lui Morgan sa defineasca personajul cu un spectacol intruchipat persuasiv, unul al carui cap se inclina, arata lateral si prezenta retrasa exprima un trecut invinetit si instinctele de auto-protectie ale unui om in retragere.

„Bull” ar trebui sa fie doar despre Abe, dar in schimb se concentreaza pe relatia sa cu un vecin alb, fara radacini, de 14 ani, Kris (Amber Havard). Soartele lor se incruciseaza dupa ce a prins-o la gunoi casa lui si este modelata de optimismul neinvins care este fundamentul cinematografiei americane. Cu alte cuvinte, Abe si Kris se salveaza reciproc. Ceea ce salveaza filmul, totusi, este fereastra pe care Morgan se deschide spre cowboy-ul negru si modul in care spectacolul complica miturile preferate ale Americii, inclusiv figura celui singuratic dur, stoic. Abe nu pleaca de pe teritoriul John Wayne; Abe pleaca dintr-un tinut cu totul diferit pe care Morgan il face visceral, bantuit si cu viata completa.

Reda „Bull” pe Hulu.

De Manohla Dargis

Wes Studi are una dintre fetele cele mai atragatoare ale ecranului – plina si incretita si ancorata cu genul de ochi patrunzatori care insista sa te potrivesti cu privirea lor. Regizorilor mai mici le place sa-si foloseasca fata ca un simbol contondent al experientei nativilor americani, ca o masca a nobilimii, a suferintei, a durerii care nu se poate cunoaste decat pentru ca nimeni nu i-a cerut barbatului care o poarta. In filmul potrivit, totusi, Studi nu se joaca doar cu fatada unui personaj; ii curata straturile. Un maestru al opacitatii expresive, el iti arata masca si ceea ce se afla dedesubt, atat gandirea, cat si sentimentul.

Iti arata masca si ce se afla dedesubt.

Studi a intrat in constiinta cinematografica ca razboinicul razbunator Huron din epopeea lui Michael Mann „Ultimul mohicani” (1992), un personaj pe care actorul il transmite cu o fizicitate puternica si intensitati de dispret, nerabdare, resentimente, furie. A face mult cu putin a fost o constanta in cariera de film a lui Studi, care include roluri semnificative in „Lumea noua” (2005) si „Avatar” (2009). La fel ca multi actori, el si-a facut parte din munca de uitat, a facut filme de exploatare si furaje TV. Deseori distribuit in mod specific ca nativ american, el a interpretat Geronimo si Cochise; s-ar putea sa corecteze mai multe greseli de film daca western-urile ar fi inca populare. Si daca industria ar fi aventuroasa, ar putea juca si mai multe tipuri, precum supravegherea unui adapost fara adapost din „Being Flynn” (2012), un barbat care nu poarta ceea ce Studi numeste „piei si pene”.

Instructiv, el nu poarta nici in „Ostile” (2017) al lui Scott Cooper, despre viata si moarte in America de la sfarsitul secolului al XIX-lea. Studi il interpreteaza pe seful Yellow Hawk, un prizonier cheyenne pe moarte, pe care guvernul federal a acceptat sa il intoarca in tinuturile sale ancestrale. Filmul este in mare masura interesat de escorta sa, un hater indian distrus de razboi, jucat de Christian Bale, vedeta. Inca o data, Studi ofera o intorsatura de sprijin care completeaza performanta principala – indiferenta personajului sau fata de furia escortei este un zid care nu poate fi incalcat – si ajuta la egalizarea echilibrului povestii. Soimul galben a supravietuit suficient de mult timp incat sa moara in conditiile sale, supravietuind ca Studi face un act final de posesiune de sine.

Transmiteti „Hostiles” pe Netflix.

De Julian Schnabel

Actorul a fost o prezenta vitala in filme la fel de diferite precum „Umbra vampirului” (2000) si „The Florida Project” (2017), pentru care a primit nominalizari la Oscar. De asemenea, a fost nominalizat pentru rolul lui Van Gogh in biografia lui Julian Schnabel, „La poarta eternitatii” (2018). L-am intrebat pe Schnabel de ce a apelat la Dafoe.

Eu si Willem ne-am cunoscut acum mai bine de 30 de ani. El a trait intotdeauna in cartier si am avut o multime de prieteni in comun. Oliver Stone a filmat „The Doors” in New York, iar noi am stat in jurul scenei intr-o noapte si a fost prima data cand am inceput sa vorbim.

Un lucru foarte important este ca este un actor foarte generos. Ii pasa de performantele altor oameni si de a-i ajuta fiind disponibil in orice face. Este foarte, foarte loial si foarte, foarte destept. Daca aveti pe cineva inteligent, il pot imbunatati.

Este un actor foarte generos. Ii pasa de performantele altora.

[Pentru „La poarta eternitatii”] aveam nevoie de cineva care sa aiba profunzimea caracterului pentru a juca van Gogh. Si nu era vorba doar de a arata ca el. Era cineva care ar putea avea suficienta experienta de viata pentru a fi acel tip. Oamenii s-au gandit, ei bine, Willem are 60 de ani, van Gogh avea 37 de ani cand a murit. Asta a fost irelevant pentru mine. Trebuie doar sa ai o banuiala despre increderea in cineva si gandirea ca poate face ceva. Am incredere in Willem implicit. Si acest nivel de incredere merge in ambele sensuri.

Sunt lucruri pe care le-am impuscat in Arles dupa ce a sosit, pe care nu le-am putut folosi. Purta aceleasi haine, avea aceeasi coafura, dar inca nu era tipul. Apoi a existat un anumit moment cand dintr-o data a fost. A fost transformat, transfigurat. Era altcineva.

Una dintre scenele mele preferate este cea in care vorbeste cu tanarul doctor Rey, care il vede dupa ce i-a taiat urechea si ii garanteaza ca va ajunge sa picteze cand va fi in institutie. Acea interactiune este extraordinara, ceea ce face Willem acolo. Practic, el sta la o masa si nu exista prea mult loc pentru miscare. Dar ceea ce se intampla in fata lui, in raspunsul sau la ceea ce ii spune tanarul doctor – si, de asemenea, ca raspuns la orice alte ganduri par sa-i calatoreasca prin minte in acel moment – este un peisaj de evenimente si o viata interioara ca spuma. venind in varful unei creme de oua de vanilie. – Interviu de Kathryn Shattuck

Inchiriati sau cumparati „La Eternity’s Gate” pe majoritatea platformelor importante.

De AO Scott

Intr-o lume dreapta, ar exista o lista exploziva de spectacole grozave pentru a completa aceasta intrare, o colectie de matriarhi, eroine romantice, dive si ticalosi pentru a reflecta intreaga gama de cadouri ale lui Alfre Woodard. Astfel de roluri sunt intotdeauna reduse pentru femeile negre, dar chiar si in parti mici din filme minore sau seriale de televiziune, Woodard este o prezenta de neuitat, in acelasi timp regala si complet reala.

Cele doua filme care i-au oferit cel mai mult spatiu – „12 ani de sclava” (2013) a lui Steve McQueen si „Clementa” (2019) a lui Chinonye Chukwu – ambele plaseaza problema justitiei in fata si in centru. In fiecare, Woodard trebuie sa-si afirme demnitatea si integritatea etica a personajului in fata unor circumstante imposibil de crude. Bernadine Williams, directorul inchisorii din „Clemency” a carui misiune include supravegherea executiilor, isi gaseste profesionalismul din ce in ce mai in contradictie cu umanitatea ei. In „12 ani”, Mistress Shaw, o femeie sclava, a carei relatie cu un proprietar de plantatie i-a adus un anumit privilegiu, a negociat cu un sistem construit pe dezumanizarea ei.

Arta lui Woodard, angajamentul ei fata de adevar, este ceea ce vedeti.

Contradictiile cu care se confrunta Bernadine si Mistress Shaw sunt mai mari decat orice individ. Ceea ce face Woodard este sa le faca personale. Autocontrolul este o chestiune de supravietuire, iar Woodard isi asaza fata intr-o imagine a decorului adecvat, imitand-o pe doamna eleganta din Sud sau pe birocratul eficient pe care il necesita situatia. Ea nu lasa atat de mult sa alunece mastile – cu exceptia poate in scenele finale devastatoare ale „Clementei” – pentru a arata costul si grija care implica purtarea lor. Personajele joaca, de asemenea, rolurile lor pentru mizele muritoare, iar arta lui Woodard, angajamentul ei fata de adevar, este ceea ce vedeti in spatiul dintre modul in care par si cine sunt.

Reda in flux atat „Clemency”, cat si „12 Years a Slave” pe Hulu.

De Manohla Dargis

In „Chiar acum, gresit atunci” de Hong Sang-soo (2016), o femeie si un barbat se intalnesc. Ei beau si beau mai mult si mai putin partial decat sa se intalneasca in a doua jumatate a filmului ca si cum ar fi pentru prima data, o configuratie care evoca „Ziua Groundhog”. Inca o data, merg la o cafenea, un studio, un restaurant. Cu toate acestea, in timp ce actiunile lor raman in general aceleasi, la fel ca si arcul general al serii, s-au schimbat destule – modul in care se privesc, inflexiunile din vocile lor – pentru a transforma aceasta a doua intalnire in ceva diferit.

Performanta extrem de nuantata a lui Kim Min-hee se afla in centrul filmului, iar actrita insasi se afla in centrul muncii lui Hong de atunci, aparand in majoritatea filmelor sale ulterioare. Un autor autor al unei case de arta, Hong spune povesti la scara modesta, care sunt formal jucause, sensibile la imperfectiunea umana si imbibate de soju. Lucruri familiare se intampla, uneori in mod necunoscut. Repetarea este adesea un accent narativ, unul care se bazeaza pe viata si este frumos servit de expresivitatea lucida a lui Kim.

In canonul minimalist al lui Hong, viata este condensata in momentele de zi cu zi, in conversatii si in modul in care corpurile se inclina unul catre celalalt. Diferentele dintre cele doua jumatati ale „Chiar acum, gresit atunci” dezvaluie noi fatete ale personajelor si creeaza noi tensiuni intre ele. De asemenea, dau frau liber gamei lui Kim, permitandu-i sa se joace cu intonatie, gesturi, priviri palpaitoare. Cu toate acestea, in timp ce cele doua sectiuni ale filmului se simt ca variante ale aceleiasi povesti, performanta ei pare mai degraba ca se unesc, deoarece – zambet cu zambet, cu priviri deviate si fixe – Kim reuneste personajul intr-un intreg.

Merge mare si mic, se indeparteaza de la monstruos la mousy.

A mers pentru baroc in „The Handmaiden” (2016) a lui Park Chan-wook, cel mai cunoscut film al ei. In aceasta drama extraordinara, adesea pervers, amuzanta, situata in Coreea in anii 1930, joaca rolul unui nobil japonez care a fost salvat de unchiul ei deviant de inselaciunile ei si de o alta femeie. Excesele extravagante ale povestii si rasucirile narative ii permit lui Kim sa foloseasca fiecare instrument din cutia sa de lucru. Merge mare si mic, se indeparteaza de la monstruos la mos, si ascunde alternativ sentimentele personajului ei si le lasa sa fuga. Corpul ei se clatina si fata ei se distorsioneaza pe masura ce frica si durerea cedeaza loc extazului si eliberarii. Personajul este un mister pe care il tachineaza filmul, dar pe care Kim il deblocheaza delirant.

Transmiteti „The Handmaiden” pe Amazon Prime Video.

De Ryan Coogler

Michael B. Jordan a jucat avocati, sportivi si super-eroi, dar chiar inainte ca gama sa sa devina clara, regizorul Ryan Coogler a dorit sa lucreze cu el. Coogler a realizat trei functii („Fruitvale Station”, „Creed” si „Black Panther”) si stele Jordan sau co-vedete in toate. L-am rugat pe regizor sa ne explice exact ce este ceea ce ne atrage actorul.

L-am cunoscut pe Mike in 2012, cand faceam cercetari si lucram la scenariul pentru „Fruitvale”. El a fost cel pe care l-am decis sa fie cel mai bun pentru rol inainte de a-l cunoaste, bazat pe cealalta lucrare pe care il vazusem facand – cateva filme in acel an, „Cozi rosii” si „Cronica” si o gramada de lucruri in spatiul TV. Dar m-am gandit ca ar putea juca Oscar. Arata ca el, dar si ceea ce am vazut a fost aceasta capacitate de a te face sa empatizezi cu el. Nu toti actorii au acest lucru, cand iti pasa imediat de cineva direct si asta declanseaza o reactie empatica. A avut asta. De asemenea, are un set de instrumente foarte avansat ca actor.

Ceea ce am vazut a fost aceasta abilitate de a te face sa empatizezi cu el.

A fost in toate filmele pe care le-am facut. Si il tot arunc pentru ca este cea mai buna persoana pentru meserie. „Creed” [2015] avea un alt personaj pe care credeam ca il poate juca bine. Inainte ca Mike sa devina actor, el era un sportiv, inapoi la scoala elementara si la liceu. Jucase sportivi la televizor, cel mai faimos fiind in „Friday Night Lights”, asa ca unele dintre lucrurile pe care le stiam ca personajul sau ar trebui sa le faca in „Creed”, Mike s-a simtit bine pentru asta. A fost o parte din el care nu a fost o mare acoperire.

Si [in] „Black Panther” [2018], cu el si Chadwick cu fata in fata si mergand de la picior la picior, s-a simtit ca un eveniment. Stelele lor se ridicau. Amandoi erau barbati de frunte pana cand am filmat acel film.

Acum, ceea ce este interesant la imbatranirea noastra in industrie este sa lucram impreuna in diferite capacitati. Acum face multe lucruri in spatele camerei. Si avem cateva oportunitati de a lucra impreuna dincolo de actor si regizor.

Este foarte ambitios intr-un mod care indrageste. El vrea intotdeauna sa se impinga si sa se provoace mai departe. Si asta se intampla in spectacolele sale, dar si in sensul afacerii. Aceasta ambitie il tine cu mintea deschisa. El urmareste totul si nu vrea sa se separe de anumite genuri sau oportunitati. Deci, cred ca cerul este limita pentru el si cariera sa. – Interviu de Mekado Murphy

Transmiteti „Black Panther” pe Disney +. www.a6859.com

AO SCOTT Desi pot sa iau sau sa parasesc recentele filme „Razboiul stelelor”, am o dragoste pentru unele dintre personaje, in special Poe Dameron, flyboy-ul de rezistenta care este fermecatorul desemnat al treilea trilogie.

• descrieri poze
• samsung a20e
• david beckham
• antena3
• liga1
• teamviewer
• traducere engleza romana
• elf
• ana maria prodan
• cobra kai
• declaratii anaf
• superbet verificare bilet
• cetelem
• liga 2
• rpg2
• snoop dogg
• seriale turcesti
• cv europass
• myvodafone
• passat b6

Ca Poe, Oscar Isaac este o prezenta atragatoare si usoara in acele filme, un tip care pare sa stie ce face.

Personajele sale nu sunt intotdeauna la fel de norocoase sau la fel de sigure de ele insele, dar omul insusi opereaza cu precizia cuiva care este suficient de increzator in abilitatile sale pentru a se impinge pe un nou teritoriu riscant. In vara dinaintea lansarii „Inside Llewyn Davis” (2013), Joel si Ethan Coen ne-au spus ca initial dorisera sa distribuie un muzician cunoscut in rolul principal. In schimb, l-au gasit pe Isaac, care le-a spus (potrivit lui Joel) ca „majoritatea actorilor, daca ii intrebi daca canta la chitara, vor spune ca au cantat la chitara de 20 de ani, dar ceea ce inseamna cu adevarat este ca detin un chitara de 20 de ani. ” Isaac ar putea juca de fapt. Cand ma gandesc la ceea ce il face atat de credibil ca actor, acesta este primul lucru care imi vine in minte. Nu pentru ca e atat de mare sa canti la chitara,

MANOHLA DARGIS Cand actorii fac o prima impresie profunda, uneori se leaga de ideile tale despre ceea ce pot face. Dupa „Llewyn Davis”, l-am asociat pe Isaac cu o infrangere sufleteasca, cu un curent de resentiment. Cateva alte roluri au sustinut aceasta idee a jalei sale innascute, inclusiv interpretarea sa ca primar asediat in serialul HBO „Show Me a Hero” (2015). Acest lucru are, partial, legatura cu aspectul sau indraznet, romantic si cu modul in care sprancenele ii incadreaza ochii lui luxosi. Si apoi este vocea lui, sunetul sau frumos, dar si modul in care rezonanta sa creeaza intimitate. Chiar si atunci cand pune nazal in ea, vocea lui pastreaza o calitate a apropierii, un motiv pentru care se simte adesea, suna, ca si cum Llewyn canta mai mult pentru el decat pentru public. Si vocea lui Isaac ii inmoaie frumusetea, atragandu-va. Uneori, totusi, ca in „Ex Machina,

Isaac are un rol secundar in „Ex Machina” (2015), dar este vital pentru vibratia si puterea sa. El il interpreteaza pe Nathan, un miliardar de tehnologie asemanator doctorului Frankenstein, implicat in inteligenta artificiala, care construieste (si distruge) frumosi androizi feminini. Un loc critic salbatic pentru maestrii de astazi ai universului digital, Nathan ar fi putut cu usurinta sa domine filmul. In schimb, Isaac isi pastreaza propriul farmec sub control, lasand infiorarea personajului sa otraveasca aerul. Starile de indurare ale lui Nathan si aspectul surprinzator – capul ras si barba plina, ochelarii si muschii taiati – ingreuneaza obtinerea unei margele pe el. Dar, cand brusc se ridica, executand un dans uimitor, Isaac dezvaluie tot ce trebuie sa stiti despre Nathan in precizia geometrica a miscarilor sale coregrafiate si a nebuniei din ochii lui. Sunt 30 de secunde de geniu pur.

Inchiriati sau cumparati „Ex Machina” pe principalele platforme de streaming.

MANOHLA DARGIS Femeia celor o mie de fete ale lumii, Tilda Swinton a creat destule persoane – cu peruci, costume si accente nespuse – pentru a deveni o lista a unuia. Este o stea, un actor de personaje, un artist de performanta, un extraterestru, un pacalitor. Fata ei palida, ascutita, este o panza ideala pentru vopsea si proteze si capabila de o liniste deranjanta. Vrei sa o citesti, dar nu poti. Asta o face sa devina o ticaloasa grozava, indiferent daca joaca rolul unui demon, o regina sau un avocat corporativ. In „Julia” (2009), ea renunta la acel perete pentru a juca un alcoolic si smulgator de copii scapat de sub control, oferind un spectacol plin de actiune, atat de visceral si transparent, incat poti vedea gandurile personajului cu furie la lucru, precum paraziti mici care se misca sub piele.

AO SCOTT Ne place sa laudam actorii pentru „gama”, dar acesta este un cuvant aproape ridicol de inadecvat pentru schimbarea radicala de forma pe care o realizeaza Swinton. Uita-te doar la un aspect al carierei sale: munca ei cu Luca Guadagnino, un regizor care impartaseste incantarea ei in auto-reinventare. In „I Am Love” (2010), ea a interpretat-o ​​pe sotia rusa a unui aristocratic italian, sustinand un spectacol in doua limbi si in cheia durerii melodramatice pure. In „A Bigger Splash” (2016), ea abia vorbea deloc: a decis ca ar fi interesant daca personajul ei de glam-rock diva ar fi fost lovit mut de o interventie chirurgicala la gat. In „Suspiria” (2018), ea a executat una dintre multele sale dublari de sine, aparand ca membru al unui covenitor de vrajitoare cu baletoman si, de asemenea, ca un supravietuitor al varstei in varsta al Holocaustului.

DARGIS Aceasta dublare ii modeleaza cele mai androgine performante, in care ea estompeaza fara efort genul, confirmand (inca o data) inadecvarea unor categorii precum „barbat” si „femeie”. Ea este amandoua; ea nu este nici una, nici alta. O dublare diferita se intampla atunci cand joaca gemeni, in „Bucura-te, Cezar!” Din 2016 (in calitate de colonisti rivali de barfe) si in „Okja” anul urmator (in calitate de capitani deosebit de vizuali, foarte cruzi ai industriei). In fiecare dintre ele, Swinton ne arata doua parti ale aceleiasi persoane, la fel cum face in „Michael Clayton” (2007) cand avocatul ei repeta un spiel duplicitar in fata unei oglinzi. In timp ce avocatul vorbeste, face o pauza si isi lasa zambetul, o vezi incercand cu disperare sa controleze o reflectie care deja se sparge.

SCOTT Aceste roluri pot fi teatrale, dar aproape niciodata nu se simt ciudate. Swinton are radacini intr-o traditie avangardista – la inceputul carierei sale, a lucrat cu Derek Jarman si Sally Potter – care subliniaza mutabilitatea identitatii si limitele estompate dintre artificiu si autenticitate. In ultimii 20 de ani, ea a adus o parte din rigoarea intelectuala si indraznirea conceptuala a acelei lucrari la Hollywood si nu numai. Ea nu este doar un interpret extrem de interesant, ci si unul dintre marii teoreticieni vii ai performantei.

Toate aceste filme Tilda Swinton sunt disponibile pe principalele platforme de streaming.

De James Gray

Joaquin Phoenix a aparut in patru dintre filmele regizorului James Gray, incepand cu „The Yards” in 2000 si incluzand „We Own the Night” (2007), „Two Lovers” (2009) si „The Immigrant” (2014). L-am rugat pe Gray sa explice modul in care actorul s-a extins – si s-a imbunatatit – in propria sa viziune.

Cand am vazut „To Die For”, am spus: „Acel actor” – nici macar nu-i stiam inca numele – „este incredibil de bun in a-si transmite viata interna fara dialog”. Acesta este un lucru cu adevarat important in cinema, deoarece camera dezvaluie totul. Iata un actor care se intampla atat de mult si iti dai seama. M-am gandit: „Acesta este un actor foarte interesant. Mi-ar placea sa-l cunosc. ” Si am facut.

Am fost pe aceeasi lungime de unda, instantaneu. Ne-au placut aceleasi lucruri. Ne-am gandit la lucruri in acelasi mod. Si tocmai mi-a placut imediat. Avea acea dimensionalitate pentru el. Primul film pe care l-am facut impreuna [„The Yards”], sunt sigur ca l-am suparat foarte mult. Am un mod foarte direct. Uneori este bine si alteori nu este atat de bine. Acum ma pricep mai bine. Sa spunem doar ca nu am fost intotdeauna dispus sa spun „Da, este interesant, dar sa incercam asta”. Am fost mai mult in „Joaq, ce faci? Asta e de rahat, incearca altul. ” Si stiu ca l-as frustra pentru ca talentul sau era atat de vast.

El are o abilitate nelimitata de a te surprinde in cele mai bune moduri si de a te inspira sa mergi intr-o directie la care nu te-ai gandit initial, mai buna decat ceea ce ai in minte si extinde ideea. Este extrem de inventiv. Intotdeauna se gandeste si de fapt a devenit mai mult de-a lungul anilor. Nu am spus niciodata „Vreau viziunea mea pe ecran”. Vreau ceva mai bun de atat. Vrei sa stabilesti parametrii a ceea ce ai in minte si apoi sa te inconjori de oameni care vor face totul mai frumos. Nu diferit, neaparat, dar mai intens, mai viu.

Are o abilitate nelimitata de a te surprinde in cele mai bune moduri.

Vrei ca actorul sa te surprinda si sa o faca intr-un mod care pare in concordanta cu personajul, dar si foarte interesant. Joaquin a fost absolut fantastic la asta. Este inspirator. Nu stii la ce sa te astepti in cel mai bun sens. Joaquin Phoenix este unul dintre cele mai bune lucruri care mi s-au intamplat vreodata. Daca as avea vreun regret, ar fi ca el nu este in fiecare film pe care l-am facut. – Interviu de Candice Frederick

Transmiteti „Yards” pe CBS All Access.

AO SCOTT Nefericita gospodina americana – care zambeste pentru a pastra aparentele in fata tragediei interne si a tulburarilor interioare – este un arhetip de film durabil. Este una pe care Julianne Moore a explorat-o si a explodat-o, in „The Hours” (2002) si mai ales in colaborarile sale cu Todd Haynes precum „Far From Heaven” (2002).

Filmul respectiv este stabilit in Connecticut in anii 1950, dar este un peisaj stilat, evocator al melodramelor de la Hollywood din acea perioada. Cathy si Frank Whitaker (Moore si Dennis Quaid) sunt indepartati fiecare de casatoria inabusitoare prin dorinte interzise: Frank pentru alti barbati, Cathy pentru Raymond Deagan, un peisagist negru (Dennis Haysbert). Aceste incalcari nu sunt simetrice sau intersectionale. In framantarea inimii, umilinta si dorul lor, Frank si Cathy nu au nicio mangaiere sa se ofere reciproc.

Moore ar fi putut pune angoasa lui Cathy in ghilimele, evocand suferintele dive ale cinematografiei anilor ’50, facand cu ochiul unui public modern care contempla vremurile rele de la o distanta estetica sigura. In schimb, ea intra pana la capat, uitandu-se din sufletul unei femei care este inradacinata in timpul ei si absolut moderna, prinsa de reguli si aparente si, de asemenea, terifiant si palpitant – libera.

MANOHLA DARGIS Nefericite sau nu, sotiile pot fi fundaturi pentru actrite si pentru prea multi vine acel moment in care au fost alungate pentru totdeauna in bucatarie. Moore a jucat o multime de sotii si mame, dar ale ei sunt uneori mai complexe si mai surprinzatoare decat filmele sale, un indice al sensibilitatilor si talentului ei. Unul dintre motivele pentru care isi ridica personajele din stereotipul este ca se joaca cu coduri de realism, indiferent daca sustine o performanta naturalista („Still Alice”, melodrama din 2014 despre un profesor cu Alzheimer) sau una hiperbolica (satira lui David Cronenberg din 2015 „Harti” la stele ”, unde este o hiena de la Hollywood). Moore poate exterioriza frumos starea interioara a unui personaj, astfel incat sa vedeti sentimentele aparute pe pielea ei. Dar este o artista a extremelor, iar ea si Cronenberg se distreaza jucandu-se cu fetele ei de gargoyle.

In cea mai mare parte, munca ei in „Gloria Bell” (2019) este intr-o cheie realista. Ea interpreteaza personajul principal, un lucrator de asigurari divortat cu inima generoasa, cu doi copii adulti, o fosta pe care nu o uraste si un apartament dureros de singuratic. Filmul in sine este modest, intim, atent si bogat in detalii umane. Gloria incepe o aventura cu un barbat. Merge prost, se despart. Nu se intampla prea multe in termeni obisnuiti de film, totusi totul se intampla pentru ca Gloria iubeste si este iubita la randul ei. Este o poveste care ar fi putut duce la galeti de snot si showboating gol. Dar Moore si regizorul Sebastian Lelio transcend claritatea. Ele nu creeaza doar o poveste despre sentimentele unei femei – si despre fiinta – pe masura ce se indragosteste; creeaza un peisaj de emotii, textura si forma unei sensibilitati. Gloria lui Moore nu plange si nu rade; ea iti arata cum arata dragostea din interior. Este un miracol al spectacolului.

Transmiteti „Gloria Bell” pe Amazon Prime Video.

De AO Scott

In cate moduri diferite poate ajunge o persoana la varsta? A creste este mult din ceea ce fac tinerii in filme, dar putini actori o fac de atat de mult timp sau cu o nuanta, inteligenta si varietate precum Saoirse Ronan. Ea s-a maturizat in fata ochilor nostri de mai bine de jumatate din viata ei (are 26 de ani), devenind mai inteleapta, mai trista, mai libera si mai in sine in fiecare rol nou.

Desigur, personajele sunt cele care sufera aceste schimbari. Eilis Lacey („Brooklyn”, 2015) isi gaseste dragostea si independenta in noua ei casa; Christine McPherson („Lady Bird”, 2017) invata sa-si aprecieze mama; Jo March („Femeile mici”, 2019) isi gaseste vocea ca scriitoare. Ronan insasi, care locuieste aceste femei si fete in toate particularitatile lor, a fost aproape incomodabil consecventa, intr-o deplina, disciplinata comanda a darurilor sale chiar de la inceput.

Comanda deplina si disciplinata a darurilor ei chiar de la inceput.

In „Atonement”, spectacolul ei din 2007, a jucat-o pe Briony Tallis, o tanara perspicace de 13 ani care crede ca intelege mai mult despre lumea adulta decat o face ea. Ronan nu se potriveste doar cu precocitatea lui Briony; comunica, de asemenea, amestecul volatil de nesiguranta infantila si gelozie romantica care face ca aceasta fata nesabuita, nevoiasa, pe jumatate inocenta, sa se simta cu adevarat periculoasa.

Si acel sentiment de pericol persista, indiferent daca personajul ei este vulnerabil (ca in „The Lovely Bones”, 2009) sau violent (ca in „Hanna”, 2011). Chiar si atunci cand se afla in drame de epoca sau comedii blande ale vietii domestice, Ronan aduce o precizie de argint viu, care este palpitanta si putin nelinistitoare. Acest lucru se datoreaza faptului ca, pe cat capteaza vremea emotionala si limbajul corpului specific, sa zicem, o regina scotiana din secolul al XVI-lea sau o adolescenta din California din secolul al XXI-lea, ceea ce transmite si mai viu este modul in care acesti oameni gandesc, modul in care se simt sa fie in capul lor.

Asta poate suna ca o abordare cerebrala, intelectualizata, a actiunii, dar este chiar opusul. Cea mai radicala si revelatoare ambitie pe care un actor o poate concepe este sa locuiasca intr-o alta constiinta si sa aduca publicul in acea calatorie parapsihologica. Acest lucru este mai mult decat sa dispara intr-un rol sau sa activeze metodic amintirile paralele. Este un fel de renastere auto-autorizata, de parca Athena ar putea izvori nu din fruntea tatalui ei, ci din a ei. Poate fi terifiant sa depui marturie, dar geniul este adesea.

Transmiteti „Ispasire” pe Peacock.

De Denzel Washington

Viola Davis a lucrat de mai multe ori cu Denzel Washington in ultimii 20 de ani – indiferent daca a fost regizor („Antwone Fisher”, 2002), vedeta (interpretand rolul lui Troy Maxson la Rose Maxson in drama familiei August Wilson „Fences” de pe Broadway si apoi la film in 2016) sau producator (a repartizat-o in rolul principal in viitoarea drama de jazz Wilson „Ma Rainey’s Black Bottom”). L-am rugat sa explice ce o face atat de extraordinara:

Stiam ca era o mare actrita care se intoarse atunci cand a facut o auditie pentru „Antwone Fisher” acum 20 de ani. Am experimentat puterea, puterea si talentul ei [in timpul filmarii]. A venit gata, in caracter, si practic am lasat-o in pace. Intr-adevar nu a fost nimic sa-i spun decat „Multumesc” si „Sa mai facem una”.

Este un talent o data intr-o generatie. Nu stii intotdeauna asta imediat, dar cu totii am experimentat-o ​​acum de-a lungul timpului. Cand eram cu ea in piesa [„Garduri”], chiar si la repetitie, mi-a spus: „Oh, OK, ea este o putere”. Are o scena mare cand se descarca in cele din urma pe Troia; cam la a treia saptamana de repetitie a aratat unde se indreapta. Si mi-am spus: „Mai bine o ajung din urma. Trebuie sa ma concentrez ”.

Am avut un succes extraordinar, asa ca nu a existat niciodata o intrebare despre cine avea sa joace rolul din film. Si o femeie puternica, puternica si umila. Regizorul [George C. Wolfe] a trebuit sa o convinga [pe Ma in „fundul negru al lui Ma Rainey”]. Si eu am facut. A spus: „Nu pot canta. Nu am niciun ritm ”, tot felul de lucruri.

Poate face orice vrea. Are atata abilitate.

Am incredere deplina in ea. De ce vrea cineva sa cante intr-o formatie cu Miles Davis? Pentru ca este un mare colaborator, inovator, artist. Ea este acelasi lucru. Poate face orice vrea. Are atata abilitate. Este unul dintre cei mai buni interpreti de materiale cu care am avut ocazia sa colaborez. – Interviu de Candice Frederick

Inchiriati sau cumparati „Garduri” pe principalele platforme de streaming.

MANOHLA DARGIS Din 2000, actrita chineza Zhao Tao si regizorul Jia Zhangke au realizat mai mult de o duzina de lungmetraje si scurtmetraje, drame si documentare, precum si lucrari care rezista unei astfel de categorii ingrijite. Alianta lor cinematografica este atat de holistica si familiara incat este greu de imaginat cum ar arata aceste filme fara fata lui Zhao si prezenta de baza. Ea este adesea numita muza sa (sunt casatoriti), dar asta nu se apropie de a surprinde bogatia contributiei sale – poezia, simbolismul si granularitatea emotionala.

In filmele lui Jia, oamenii fac o multime de mers pe jos si nimeni nu a atins mai multi kilometri decat Zhao, adesea in timp real. Fost profesor de dans, Zhao se misca cu calm si fluiditate, indiferent daca personajele ei se plimba pe o sala („Lumea” in 2005) sau ratacesc intr-o scoala abandonata („24 Oras” in 2009). In „Still Life” (2008), Zhao o interpreteaza pe Shen Hong, care isi cauta sotul intr-un oras antic care va fi inundat pentru un baraj controversat. Shen Hong este adesea vazuta in miscare medie si lunga, dar cand cineva intreaba daca se grabeste, Jia se apropie de ea in prim plan. „Nu chiar”, spune ea, cu fata plina de regret sau poate de amintiri chiar inainte de a iesi pe usa.

Multi calatori ai lui Jia mapeaza China poveste cu poveste, indiferent de destinatia lor literala sau metaforica. Poate de aceea postura lui Zhao pare atat de izbitoare. Chiar si atunci cand personajele ei deriva, o fac cu spatele drept.

AO SCOTT Transformarea continua a Chinei – moda, muzica, economia, arhitectura si topografia sa – este subiectul consumator al lui Jia, iar Zhao este avatarul si testul sau. Este un fel de Everywoman, ceea ce inseamna ca intruchipeaza multe femei diferite, uneori in spatiul unui singur film.

In „Ash Is Purest White” (2019), interpreteaza rolul lui Qiao, care incepe ca parte a unui cuplu de gangsteri din orasul industrial nordic Datong. Ea si iubitul ei, Bin, sunt neinfricate si pline de farmec, chiar daca Qiao este conectat prin tatal ei la o lume mai veche a consiliilor muncitorilor si a duritatii proletare. Este inceputul anilor 2000 si totul despre Qiao – parul, hainele, felul in care paseste prin cluburi de noapte stralucitoare si fabrici batute – exprima incredere in modernitate si locul ei in ea.

Atunci totul se destrama. Loialitatea ei fata de Bin o aterizeaza in inchisoare, iar cand este eliberata, el a plecat. Calatoriile ei, cu barca, piciorul, motocicleta si trenul, o duc intr-o lunga odisee istovitoare inapoi de unde a inceput. Suferinta ei este necrutatoare, dar stoicismul o face uneori aproape comica, de parca ar fi fost simultan eroina unei vechi melodrame de la Hollywood si protagonista unei piese de teatru a lui Samuel Beckett. Spectacolul este o minune de rezistenta, inradacinata in pamant, dar cumva si mai mare decat viata.

Transmiteti „Ash Is Purest White” pe Amazon Prime Video.

De AO Scott

Toni Servillo este probabil cel mai bine cunoscut de publicul american pentru „Marea Frumusete” (2013), turneul castigat de Oscar al lui Paolo Sorrentino pe caile decadente ale elitei culturale moderne romane. Acest film este ceea ce Pauline Kael a numit o petrecere „imbracata-ca-sufletul-bolnav-al-Europei”, cu rolul lui Servillo, interpretand un scriitor de realizari subtiri si de mare reputatie, in calitate de stapan al revelelor. Cu chipul sau frumos, incretit si galanteria impecabila, Servillo aminteste de o versiune mai consacrata a fluturelui social Marcello Mastroianni jucat in „La Dolce Vita” – un participant-observator detasat, vag deprimat, intr-un spectacol involburat de hedonism.

Daca trageti de firul colaborarii lui Servillo cu Sorrentino, veti gasi ceva mai interesant si mai substantial decat frumusetea. Cei doi au lucrat impreuna la cinci trasaturi, inclusiv debutul in regie al lui Sorrentino, „One Man Up” si au dezvoltat o simbioza care aminteste unele dintre marile parteneriate de actor-regizor din trecut: Martin Scorsese si Robert De Niro; Vittorio De Sica si Sophia Loren; John Ford si John Wayne.

Astfel de analogii sunt insuficiente. Servillo a fost avatarul central in excavarea lui Sorrentino a coruptiei si a ipocriziei – dar si a gloriei improbabile si a rezistentei absurde – a Italiei moderne. In special, el a intrupat doi dintre cei mai puternici si polarizanti lideri politici din viata reala din istoria recenta a tarii: Giulio Andreotti (in scabrul si satiricul „Il Divo”, 2009) si Silvio Berlusconi (in epica si ciudat de tandra „ Loro ”, 2019).

Aprecierea amplorii acestei realizari necesita o alta runda de analogii. Imaginati-va daca acelasi actor ar fi distribuit atat Richard Nixon cat si Barack Obama sau Winston Churchill si Margaret Thatcher. Andreotti, de sapte ori prim-ministru si prim-mutant in partidul de multa vreme al Partidului Crestin Democrat, era un notor operator din spate, siret si aproape sfidator necarismatic. Berlusconi, de asemenea, un prim-ministru in serie, a fost tot bluster si farmec, respingator de slabiciune pentru unii italieni si nesfarsit de magnetic pentru altii.

Nici „Il Divo”, nici „Loro” nu sunt biografice conventionale, iar Sorrentino nu este realist. Aceste filme se delecteaza cu teatrul puterii, iar Servillo, in machiaj grotesc artificial, seamana uneori cu o marioneta sau cu un desen animat politic. El subliniaza inselaciunea reptiliana si vanitatea secreta a lui Andreotti, precum si stralucirea si autocompatimirea lui Berlusconi. Chiar daca nu sunteti versat in traditia plina de viata a politicii italiene, puteti simti energia comica salbatica a acestor spectacole si focul moral din spatele lor. Acestia sunt oameni reali! Aceste lucruri – crime, mita, incrucisari duble, orgii – s-au intamplat cu adevarat!

El face vie umanitatea extravaganta – si misterul profund – al oamenilor care traiesc pentru a indoi lumea in voia lor.

Dar ceea ce face Servillo este mai mult decat o satira de schita-comedie superioara. La fel ca un actor shakespearian care patrunde in maretia si monstruozitatea regilor antici sau imaginati, el face vie umanitatea extravaganta – si misterul profund – al oamenilor care traiesc pentru a indoi lumea in voia lor. De asemenea, le surprinde singuratatea.

Reda „Loro” pe Hulu; inchiriati sau cumparati „Il Divo” pe principalele platforme de streaming.

De Bong Joon Ho

Actorul coreean Song Kang Ho a atras atentia pentru prima data in atentia majoritatii publicului american in „Parazitul” castigator al Oscarului pentru cea mai buna imagine din 2020, interpretand un patriarh sarac si convingator. Aceasta a fost a patra sa colaborare cu regizorul Bong Joon Ho si i-am cerut cineastului sa explice de ce a aruncat steaua din nou si din nou.

Am vazut pentru prima oara Song Kang Ho in „Pestele verde”, debutul in lungmetraj al regizorului Lee Chang-dong. El a jucat un gangster rural, de mici dimensiuni, iar performanta lui a fost atat de uimitor de realista, incat a circulat un zvon printre regizori ca ar fi fost un hot. Am aflat mai tarziu ca era un actor care activase de mult timp in scena teatrului Daehak-ro.

Desi eram atunci primul asistent de regie si inca nu eram regizor, am vrut sa-l cunosc. Asadar, l-am invitat la birou pentru o cafea in 1997. A fost mai degraba o conversatie dezinvolta decat o auditie, dar mi-am putut spune ca el avea un rol de jugger.

Cand scriam cel de-al doilea film al meu, „Memories of Murder” (2005), Song il aveam in minte sa interpretez detectivul de tara care este blocat in vechile sale moduri si are o credinta oarba in instinctele sale. Pentru ca s-a nascut pentru rol si a fost facut pentru el.

[Fie ca este vorba de „Amintiri despre un asasin”, „Gazda” (2007), „Snowpiercer” (2014) sau „Parazit”] se simte intotdeauna ca va exista un nou strat de descoperit. Este ca o panza care creste si creste. Indiferent cate lovituri de perie aplic, exista intotdeauna mai mult spatiu pentru a picta. Sunt inca dornic sa vad ce va aduce el la un rol. Pentru mine este ca o mina inepuizabila de diamante. Fie ca am facut patru filme cu el sau 40, stiu ca voi dezgropa un nou personaj.

El are capacitatea de a aduce viata si cruditate in fiecare moment. Chiar daca o scena implica un dialog dificil sau lucrari de camera extrem de tehnice, el va gasi o modalitate de ao face fara probleme si spontana. Fiecare preluare va fi diferita, iar cel mai dificil dialog va parea improvizatie. Este uluitor si este o placere sa asiste.

El are capacitatea de a aduce viata si cruditate in fiecare moment.

Unicitatea sa de protagonist provine din obisnuinta si banalitatea sa. In special pentru publicul coreean, Song proiecteaza calitatea omului muncitor coreean tipic, al unui vecin sau prieten pe care l-ai putea intalni in cartierul tau. Deci, sunt si mai absorbiti cand vad acest personaj aparent cotidian infruntat de un monstru sau de o situatie monstruoasa in filme precum „Gazda” sau „Parazitul”.

El pleaca de la obisnuit si il ridica intr-o voce singulara si inimitabila. Cred ca asta face din Song Kang Ho si personajele pe care le locuieste cu adevarat speciale. – Interviu de Candice Frederick

Inchiriati sau cumparati „Memories of Murder” pe principalele platforme de streaming.

De Manohla Dargis

Artist, printesa, scriitor, muza – Nicole Kidman le-a jucat pe toate, cu parul scurt si lung, un scnoz artificial prodigios si o barbie fantastica. Poate zambi ca soarele si sa planga cu destule lacrimi incat sa vrei sa ii dai o cutie de tesuturi. In cinematografia de masa, realismul este o moneda a actorului in comert, o alegere estetica care ajuta la transformarea artificiului in ceva de genul vietii. Pentru Kidman, un miniaturist cu o atingere lapidara, crearea acelui realism implica uneori ascunderea frumusetii (pentru rol, nu pentru premii) care a definit-o de mult. De asemenea, inseamna sa te joci in mod constant cu feminitatea.

Kidman a intrat in secolul al XXI-lea la apogeul starului ei cu „Moulin Rouge!” (2001). A urmat o mana de alte vehicule de profil, mai ales „The Hours” (2002), in care a jucat-o pe Virginia Woolf (cue the schnoz) si i-a prins un Oscar. A fost un cascat politicos al unui film pe care Kidman l-a urmat in rolul din „Dogville” (2004) al lui Lars von Trier, un exercitiu brechtian abraziv, in care personajul ei, dupa ce a fost abuzat, ia o arma si ajuta la distrugerea unui oras. Kidman parea sa se bucure cu adevarat de acel bit.

De atunci a realizat peste 40 de filme, unele memorabile si un numar care este cel mai bine uitat. La fel ca si al altor actrite, celebritatea lui Kidman a depasit uneori banalitatea ei, creand o faima care are mai putin de-a face cu box-office-ul si mai mult de-a face cu o persoana instelata sustinuta de kilometrajul covorului rosu si de o glut de coperte ale revistelor de moda. Cativa ani, filmele au venit si au plecat aproape fara preaviz. Cu toate acestea, Kidman a continuat sa lucreze constant si a continuat sa ridice materialul neglijabil, impingandu-se chiar si atunci cand filmele nu. Ea a jucat, de asemenea, o multime de mame, o strategie necesara de supravietuire intr-o lume la fel de creativa fara imaginatie ca industria cinematografica.

O placere a unui interpret virtuos este sa-i urmaresti cum se ridica deasupra materialului lor. Kidman a facut-o in mod repetat, inclusiv in „Nastere” (2004), in care interpreteaza o vaduva care ajunge sa creada ca un baiat de 10 ani este reincarnarea sotului ei mort. Este o ciudatenie pretentioasa pe care Kidman o inmulteste cu delicatete si cu varfuri de emotie. Este plina de glorie in „The Paperboy” (2012), un whatsit delicios de vulgar in care depaseste o cohorta de barbati, urinand alternativ pe Zac Efron si rupandu-si chilotii intr-o frenezie orgiastica asupra lui John Cusack.

Nu-ti poti lua ochii de la ea. Nu poti niciodata.

Mai recent, Kidman a jucat in „Destroyer” (2018), un thriller dur de la Karyn Kusama despre lunga spirala descendenta a unui detectiv. Kidman devine mare si brutal – lovind cu pumnul si alergand, impuscand si band pana la exces salbatic – pentru a juca o ruina de varsta mijlocie ale carei alegeri teribile sunt gravate in fiecare cuta si pete pe fata ei dura. Filmul a picat, poate pentru ca era prea urat pentru publicul de astazi sau poate ca totul parea prea jos pentru una dintre fetele de coperta preferate ale revistei Vogue. Dar Kidman este genial, rece, crud si adevarat. Chiar si cu fata obscurizata aproape dincolo de recunoastere, ea ramane de netagaduit. Nu-ti poti lua ochii de la ea. Nu poti niciodata.

Reda in flux „Destroyer&#