Cele mai bune 25 de filme din secolul 21 pana acum. (Publicat 2017)

De Manohla Dargis si AO Scott

Cu contributii de la Kathryn Bigelow, Guillermo del Toro, Ava DuVernay, Barry Jenkins, Richard Linklater, Robert Pattinson si Michelle Williams

9 iunie 2017

Ilustratii de Ruth Gwily

„There Will Be Blood” spune povestea unui petrolier american, Daniel Plainview, care ii convinge pe localnicii dintr-un oras fermier din California sa-l lase sa foreze pe terenul lor. El stabileste, de asemenea, o rivalitate nelinistita cu un predicator, Eli Sunday, si cei doi barbati, fiecare vandandu-si propria marca de credinta, adopta batalia atemporala dintre Dumnezeu si Mamon – desi cine este de ce parte nu este intotdeauna clar.

„There Will Be Blood” al lui Manohla Dargis Paul Thomas Anderson este o capodopera din secolul XXI despre dragoste, moarte, credinta, lacomie si tot uleiul si sangele care curg in secolul XX american. Distileaza o poveste ingrozitoare printr-un prospector – jucat cu intensitate demonica de Daniel Day-Lewis – care urmareste un vis salbatic, gol. El intruchipeaza cele mai bune din Statele Unite pentru a deveni cel mai rau dintre ele.

Filmul ofera o viziune profunda si profund tulburatoare a tarii, dar este, de asemenea, o dovada a uneia dintre realizarile sublime ale acestei natiuni: filmele. Povestea se strecoara vie in 1898 cu Plainview sapand intr-o gaura ca o creatura primordiala, o secventa care invoca deschiderea zorilor omului in „2001: O Odiseea Spatiala”. O stralucitoare doua ore si jumatate mai tarziu, „There Will Be Blood” se inchide in jurul anului 1927 facandu-si bine titlul sau de rau augur (este un gusher!) Si dand din cap catre „Citizen Kane”, o capodopera care a inaugurat o noua era cinematografica americana.

AO Scott In timp ce eu sunt fascinat la nesfarsit de ce acest film este despre – dinamica, spiritul infernala capitalismului american; dialectica credintei si a lacomiei; inventia Californiei; melodrama masculinitatii moderne – sunt mereu uimit de ceea ce este . Este mai ciudat decat oricare dintre temele sale, mai puternic decat influenta sa si mai mare decat oricare dintre genurile pe care le exploreaza.

Acea secventa de deschidere dureaza cu aproape 15 minute inainte ca prima linie de dialog sa fie rostita si stabileste masa (sau agita milkshake-ul) pentru numeroasele piese de bravura care urmeaza, precum explozia instalatiei de foraj la jumatatea drumului. Maretia viziunii domnului Anderson se potriveste cu precizia tehnicii sale. In niciun moment nu va indoiti ca s-a intamplat ceva exact cum arata el, chiar daca isi ia o abundenta de libertate cu inregistrarile istorice si sursa sa literara (romanul „Uleiul!” Al lui Upton Sinclair). Dar sunteti constienti si de increderea sa artistica in sine si de modul in care a pus la punct talentele distributiei si colaboratorilor sai (in special cinematograful Robert Elswit si compozitorul Jonny Greenwood) in slujba ideilor sale.

Nu ma obosesc niciodata sa ma gandesc la „Va fi sange”. Insa de fiecare data cand il urmaresc, il gasesc mai presus de toate gandurile mele. Nu foarte multe filme fac asta.

Dargis Este inca fascinant sa vezi cum domnul Anderson s-a inspirat din doua traditii pentru realizarea filmului: cinema clasic de la Hollywood si film de arta european. „There Will Be Blood” este la fel de placut – si re-vizibil – ca o capodopera veche de studio precum „The Big Sleep” si mestesugul sau impecabil este, desigur, un motiv. Totusi, la fel cum au facut Martin Scorsese si Francis Ford Coppola in cele mai mari filme ale lor, domnul Anderson a luat tot ceea ce invatase de la Hollywood pentru a crea o lucrare de viziune radicala, intens personala.

Este o poveste de creatie despre dragoste si munca – a lui Plainview si a domnului Anderson – una tragica, cealalta glorioasa. Printre toate celelalte lucruri pe care le va lua „There Will Be Blood” se afla o intrebare care se afla, cred, in centrul Statelor Unite: cum ar putea aparea ceva la fel de uimitor ca filmele (sau democratia) in mijlocul atator groaza?

Scott Si, prin urmare, la fel ca atatea filme despre ambitie si intreprindere, este intr-o oarecare masura o alegorie a propriei creatii. Nu ca Plainview ar fi intr-un mod literal alter ego-ul domnului Anderson: este o creatura a timpului sau, un om creat de sine din inima americana. El este atat demon, cat si semizeu, capabil sa intre in esenta pamantului in sine si condus sa-si domine si corupe semenii – Mefistofel si Faust s-au transformat intr-unul singur. Un film suficient de mare pentru a-l contine nu ar putea fi decat cel mai mare timp al sau.

Nu ma obosesc niciodata sa ma gandesc la „Va fi sange”. Insa de fiecare data cand il urmaresc, il gasesc mai presus de toate gandurile mele.

„Spirited Away”, al maestrului japonez de anime Hayao Miyazaki, urmareste aventurile captivante si terifiante ale unei tinere pe nume Chihiro. Arta si magia filmului sfideaza descrierea, dar l-am rugat pe Guillermo del Toro, un fan Miyazaki si un formidabil magician de film, sa-si impartaseasca gandurile. A vorbit telefonic cu AO Scott. Iata fragmente editate din comentariile sale:

Guillermo del Toro L-am descoperit pe Miyazaki cand eram copil in Mexic. Imi amintesc ca am vazut o secventa pe care Miyazaki si [colegul sau Otsuka Yasuo] au facut-o intr-un film numit „Puss in Boots” al unui ogru care strabate o serie de stanci, o urmarire tipica a lui Miyazaki intr-un turn care se prabuseste si imi amintesc ca am iubit acel film.

Multi ani mai tarziu, cand eram tanar, am vazut „Vecinul meu Totoro” si m-a emotionat pana la lacrimi. Adica, practic, nu ma puteam opri din plans la frumusetea si la enorma isprava de a surprinde inocenta de a fi copil. Am urmarit imediat tot ce facuse. Modul in care il descriu drept Disney din Est, cred ca este un nume gresit extraordinar: Miyazaki este al sau.

In „Spirited Away” ai o fata chiar la pragul de a deveni tanara si de a-ti lasa copilaria in urma, la figurat si la propriu. Chihiro incepe povestea in copilarie, felul in care sta, felul in care o intalnim mai intai stand pe scaunul masinii, cu picioarele in sus, este complet copilareasca. Ea evolueaza de la echilibrul, imbracamintea, atitudinea, emotia si spiritualitatea ei, de la a fi copil pana la a fi o femeie tanara si a intra in propria ei, iar in aceasta pozitie trebuie sa treaca prin pierderea a tot. Isi pierde parintii, isi pierde numele, nu se numeste nimic, se numeste Sen, se numeste zero. Exista o meditatie frumoasa, foarte melancolica – aceeasi melancolie care patrunde in toate filmele lui Miyazaki.

Miyazaki are o abordare unica pentru a face monstri. Sunt complet noi in design, dar se simt inradacinate in traditiile antice. Se pare ca reprezinta forte primare si, in multe cazuri, spirite care au radacini pe pamant, pe vant, pe apa. Sunt foarte elementare.

El cauta intotdeauna harul sau puterea si poate folosi puterea pentru baietii buni si rai in mod egal si poate folosi harul pentru monstrii distructivi sau monstrii benefici. Asta e frumusetea lui. El intelege ca unul dintre lucrurile esentiale este sa nu cauti nimic bun, deoarece prin definitie ceva va deveni apoi rau. Nu cautati nimic frumos, deoarece prin definitie ceva devine apoi urat.

Desigur, am o rudenie imensa cu Miyazaki. Acelasi sentiment de pierdere, melancolie si tragedie este ceea ce am incercat sa fac in „Diavolul coloanei vertebrale” sau „Labirintul lui Pan”. Exista un moment in care frumusetea te misca intr-un mod imposibil de descris. Nu este o fabulatie, este un act artistic si nu stii nimic din ceea ce vei intalni in lumea naturala nu va fi atat de pur. Miyazaki are aceasta putere.

„Spirited Away” este disponibil pe DVD si Blu-ray.

AO Scott Clint Eastwood isi lanseaza uneori filmele asa cum le impusca: rapid si eficient, fara multa agitatie si hype. „Million Dollar Baby” a ocolit festivalurile si primele noutati din sezonul premiilor si a fost selectat pentru critici cu aproximativ o saptamana inainte de a fi deschis in decembrie 2004. Din capriciu, mi-am invitat editorul la momentul respectiv la proiectie. Desi el si cu mine ne-am inteles intotdeauna bine, uneori am diferit in ceea ce priveste gustul. Nu de data asta. Dupa ce s-au lansat creditele finale, ne-am intors la birou intr-o tacere contemplativa pe care el a rupt-o in cele din urma. „Acum a fost un film”, a spus el.

A fost si este. Uneori auziti ca nu le fac asa cum erau, dar domnul Eastwood – aproape unic in Hollywood-ul secolului al XXI-lea – cu siguranta o face. In anii de dupa „Million Dollar Baby” (care l-a castigat al doilea Oscar pentru cea mai buna imagine), el a ratacit ocazional in ochii publicului din motive care nu au legatura cu filmele. A aparut intr-o reclama memorabila Chrysler, s-a certat cu un scaun gol la Conventia Nationala Republicana din 2012 si si-a exprimat admiratia pentru Donald J. Trump in timpul campaniei din 2016. Dar acesta este doar felul sau de a trece timpul si de a lasa aburul. De la implinirea varstei de 70 de ani in 2000, el a continuat sa-si practice si sa-si rafineze mestesugul, producand unele dintre cele mai puternice lucrari din cariera sa si unele dintre cele mai ciudate. O poveste cu fantome? Un muzical? Un film de rugby despre Nelson Mandela? De ce nu?

Dar domnul Eastwood a fost intotdeauna cel mai bine acasa in genurile clasice de film american: westernul, filmul criminal, imaginea de lupta. Si, in acest caz, filmul de box, poate cel mai susceptibil la sentimentalism si cliseu. Gloria „Million Dollar Baby” este ca, mai degraba decat incordarea pentru noutate, se instaleaza in conventiile genului cu incredere si usurinta magistrale si descopera curenti adanci si note de gratie de sentiment pe care nimeni nu le observase inainte.

Morgan Freeman si Hilary Swank au castigat fiecare Oscar pentru interpretarile lor. Domnul Freeman joaca rolul unui fost luptator supranumit Scrap, care actioneaza ca confidentul si constiinta Frankie Dunn a domnului Eastwood. Frankie este un antrenor bantuit de fantome si regret ca are o sansa asupra unui tanar luptator ambitios pe nume Maggie Fitzgerald (doamna Swank).

Daca, dintr-un motiv de neinteles, nu ati vazut inca „Million Dollar Baby”, nu voi strica complotul spunand mai mult. Dar daca l-ati vazut, stiti ca exista mult mai mult in acest film decat complotul sau. Balbaiala calda si ascutita dintre personajele principale nu imbatraneste niciodata. Imaginile, filmate de Tom Stern, directorul cinematografului de lunga durata al domnului Eastwood, stralucesc cu un sentiment neexprimat, sumbru. Peste cincizeci de ani, pe masura ce creditele de final se deruleaza pe orice ecran vizioneaza, vor ajunge la aceeasi concluzie pe care editorul meu a facut-o in 2004. Asa arata un film.

Uneori auzi ca nu fac filme asa cum erau, dar cu siguranta domnul Eastwood o face.

Manohla Dargis Plin de violenta si tristete, „O atingere a pacatului” este un film uimitor al regizorului chinez Jia Zhangke. Impartit in patru capitole, a fost inspirat de o serie de conflicte violente raportate pe scara larga in China, care l-au bantuit. Impreuna vinietele ii permit domnului Jia – asa cum mi-a spus-o intr-un interviu – sa „picteze fata” Chinei contemporane.

Zhao Tao, sotia domnului Jia si vedeta frecventa, il interpreteaza pe Xiao Yu, un tanar receptioner la o sauna. Imediat este clar ca are o incercare dura. Are o relatie cu un barbat casatorit, iar sotia lui nu numai ca o stie, dar intr-o seara il ataca pe Xiao Yu cu ajutorul a doi interlopi. La fel ca toate sectiunile, aceasta este in mare parte o felie de naturalism brut, cu momente fascinante, suprarealiste, multe implicand animale. Starea generala de spirit este una de neliniste escaladabila, palpabila.

Capitolul Xiao Yu culmineaza nu dupa mult timp dupa ce a fost batuta si a renuntat la munca pentru ziua respectiva. Poarta putina apa intr-o camera mica, slab luminata, tapetata cu tapet cu frunze de palmier. Frunzele de palmier evoca lumea naturala care continua sa se strecoare si sa se strecoare pe tot parcursul filmului si, de asemenea, sugereaza un taram din care personajele sale sunt aproape taiate. Acolo, singur, Xiao Yu incepe sa-si spele sangele din camasa cand un barbat deschide brusc usa, cerandu-i sa-i faca un masaj. Ea explica ca nu este o maseuza si inchide usa. Se intoarce – ea il da jos – si apoi se intoarce cu un al doilea barbat.

L-am mai vazut pe cel de-al doilea tip inainte; este un talhar local. Si el cere un masaj – „va putem permite”, spune el – si inca o data Xiao Yu refuza. „Nu sunt o prostituata”, spune ea. „Du-te acasa la sotiile tale”. Ea inchide usa, dar cel de-al doilea tip izbucneste. „Te am!” exclama el, impingand-o puternic in jos. Ea sta in picioare; o impinge in jos. Ea sta din nou; o impinge din nou in jos. Este puternica, incapatanata si la fel de ilegibila ca Omul fara nume al lui Clint Eastwood. Apoi talharul o loveste in cap cu un teanc de facturi si o loveste in continuare, o data, de doua ori, de trei ori, patru, 20, 30 – el o loveste in timp ce obrajii i se inrosesc. Se uita la el in tacere, apoi se intoarce.

O taietura brusca a unui brat ridicat cu cutitul strans in mana schimba violenta, starea de spirit si realismul. Este posibil ca domnul Jia sa se fi inspirat din China contemporana, dar aici imprumuta si din „A Touch of Zen” al regelui Hu, un clasic al artelor martiale din 1971. Deodata, o scena de violenta urata, recunoscuta si deranjanta reala se transforma intr-un interludiu de violenta stilizata, cu editare ascutita, gesturi si imagini exagerate – un prim-plan al cutitului in pumn – care se invecineaza cu hierogliful. Un minut, singurul rosu este acela care coloreaza obrajii inrositi ai lui Xiao Yu; urmatorul, un barbat a fost deschis in felii si o femeie obisnuita a devenit eroul propriei sale povesti.

Tanara este puternica, incapatanata si la fel de ilegibila ca Omul fara nume al lui Clint Eastwood.

AO Scott Titlul este un spoiler. Cand il intalnim pentru prima data pe Dante Lazarescu, un bucurestean pensionar la varsta de 60 de ani (desi pare mai in varsta), se plange de dureri de stomac. Putin mai mult de doua ore si jumatate mai tarziu – mai mult sau mai putin in timp real – a parasit aceasta lume, nemultumit si aproape neobservat.

De ce ar trebui sa ne pese? Aceasta este intrebarea – deloc retorica – pusa de a doua trasatura sumbra, captivanta, ciudat de amuzanta a lui Cristi Puiu. La Festivalul de Film de la Cannes, „Moartea domnului Lazarescu” a fost o senzatie din gura in gura. „Ai vazut acel film romanesc de trei ore? Oh omule. Trebuie sa o vezi. ”

Si asta este inca adevarat. Filmul domnului Puiu a fost un semn timpuriu al infloririi cinematografiei romanesti care va aduce aprecieri internationale tinerilor autori precum Cristian Mungiu („4 luni, 3 saptamani si 2 zile”) si Corneliu Porumboiu („Politia, adjectiv”). La fel ca colegii sai (si uneori rivalii), domnul Puiu foloseste prelungiri lungi si miscare minima a camerei pentru a crea un sentiment de realitate traita care se absoarbe aproape pana la claustrofobie. El se refera fara remuscari la absurditatile marunte si la nelegiuirile mari care definesc viata in Romania la mai bine de un deceniu dupa caderea dictaturii comuniste a lui Nicolae Ceausescu.

Dar, desi aceasta este o experienta intensa locala, ea se deschide si reverbereaza mult dincolo de strazi, locuinte si sali de urgenta din Bucuresti. Titlul s-ar putea sa va aminteasca de Willy Loman, ceea ce nu este intamplator. Bietul domn Lazarescu este propriul sau tip de Everyman, prins nu in rotile stralucitoare ale capitalismului american de la mijlocul secolului, ci in uneltele ruginite ale birocratiei est-europene si in detrimentul propriilor sale decizii proaste. El este amenintat de aroganta si indiferenta celor puternici – medicii si birocratii spitalului atat de fascinati de propria lor autoritate incat sunt orbi de suferinta sa.

Un sofer de ambulanta, interpretat de marea actrita de scena romana Luminita Gheorghiu, devine avocatul si aliatul lui Lazarescu, singura persoana capabila sa insiste, eroic si degeaba, ca trebuie acordata atentie acestui om. Acest film este o fabula metafizica tulburatoare si intunecata, umoristica, deghizata intr-o tragedie felie de viata.

La Cannes, filmul a fost o senzatie din gura in gura. „Ai vazut acel film romanesc de trei ore? Oh omule. Trebuie sa o vezi. ”

AO Scott Yang-Yang, cel mai mic dintre cei doi copii Jian, este un fotograf in devenire, specializat in a face poze cu spatele capetelor oamenilor, dezvaluind subiectilor sai o parte din ei insisi pe care nu ar putea sa o vada altfel. Cu greu pare intamplator faptul ca prenumele acestui baiat de 8 ani dubleaza numele de familie al lui Edward Yang, directorul „Yi Yi”. El serveste ca un alter ego serios, un artist vizual intentionat sa exploreze viata din toate unghiurile.

O cronica plina de viata, de trei ore, captivanta a vietii de familie moderne taiwaneze, „Yi Yi” are puterea si densitatea unui mare roman. Punctul sau de vedere este impartasit intre Yang-Yang, sora sa mai mare, Ting-Ting, si tatal lor, NJ, un designer de jocuri video aflat intr-o criza linistita, dar intensa, a vietii mijlocii. Roger Ebert a descris „Yi Yi” ca „un film in care nimeni nu stie mai mult de jumatate din adevar, sau este fericit mai mult de jumatate din timp”, lucru care ar putea fi spus si (optimist) al vietii in sine. Si „Yi Yi” este unul dintre acele filme pe care ti le amintesti mai putin ca ceva pe care l-ai vazut decat ca pe ceva pe care l-ai experimentat, de parca ai fi unul dintre vecinii Taipei din Jians.

Domnul Yang, care a lucrat in industria tehnologica din Seattle inainte de a se intoarce acasa pentru a incepe filmarea, a fost una dintre figurile principale – alaturi de Hou Hsiao-hsien si Tsai Ming-liang – in cinematograful New Taiwan din anii 1990. „Yi Yi” a fost primul sau film care a fost lansat in Statele Unite si, in mod tragic, ultimul film pe care l-a realizat inainte de moartea sa in 2007. Este o introducere excelenta la un corp remarcabil de lucrari si, de asemenea, un film care acorda o atentie deosebita si vizionare repetata.

Actiunea circula prin strazile inalte si aglomerate din Taipei, intrerupta de o calatorie la Tokyo. A invoca cliseul ca orasele in sine sunt personaje din filme ar insemna sa le subestimam semnificatia. Caracterul oraselor moderne – spatii de singuratate si intimitate, unde viitorul stralucitor global se sprijina pe o roca de baza ingropata a traditiei locale – se numara printre principalele teme ale domnului Yang. Si putini artisti din orice mediu s-au potrivit cu capacitatea sa de a examina viata urbana contemporana din toate partile. Titlul acestui film este tradus ca „unul si doi”. Continua sa mearga la infinit.

„Yi Yi” este unul dintre acele filme pe care ti le amintesti mai putin ca ceva pe care l-ai vazut decat ca pe ceva pe care l-ai experimentat, de parca ai fi unul dintre vecinii Taipei ai familiei principale.

Dargis si Scott Mai mult decat oricare alt studio sau regizor individual din secolul XXI, Pixar Animation Studios a sustinut venerabilul ideal de a face filme pentru toata lumea. Si toata lumea, se pare, are un alt film preferat Pixar. Pe Facebook, le-am cerut cititorilor sa le aleaga pe ale lor si s-a simtit putin ca sa le cerem sa declare care dintre prietenii, fratii, copiii sau jucariile lor le-au placut cel mai mult. Aveam de-a face cu emotii puternice si decizii agonizante.

Unii oameni au raspuns cu fives de top sau cu parul solomonic („Wall-E” este cel mai bun, dar „Cars” este cel mai distractiv. ”) Altii au echivocat si s-au razgandit. Aproape toate cele 14 caracteristici lansate sub eticheta Pixar inca din 2000 au obtinut aparari pasionale. Ne-am trezit de acord cu multi dintre ei si ne-am concentrat asupra momentelor rafinate din cel putin o jumatate de duzina de filme: povestea fara cuvinte a casatoriei lui Carl si Ellie in „Up”; prima intalnire a Wall-E si Eve; Adio lui Andy la sfarsitul „Toy Story 3”; Recenzia lui Anton Ego despre vasul titular preparat cu parazite in „Ratatouille”. Si ce zici de „Gasirea lui Nemo”? “Incredibilii”? “Compania monstrilor.”? Cum am putea alege doar unul?

Pentru corectitudine fata de toate celelalte filme din lume, a trebuit sa ne limitam si, in cele din urma, alegerea nu a fost prea grea. (Crowdsourcing-ul nostru, aici, ca si in alte intrari, nu a fost nici stiintific, nici democratic. Am dorit sa convocam un consiliu de consilieri de social media, mai degraba decat sa cautam date dubioase). Filmul Pixar care apartine nivelului superior al acestei liste de clasici este „Inside Out”, de departe cel mai inventiv, miscator, captivant si filozofic aviz despre psihologia dezvoltarii din secolul XXI. Personificarea conceptelor abstracte si redarea vizuala a constiintei umane din interior sunt fapte uluitoare, executate cu inventivitate fara egal. Iar mesajul – ca tristetea este la fel de esentiala in viata noastra ca si bucuria – este perfect asortat de o poveste care provoaca rasul si lacrimile in masura aproape egala.

Obisnuitul devine extraordinar in „Copilarie”, povestea lui Richard Linklater despre un copil care devine indisolubil o poveste despre realismul cinematografic si puterea acestuia. Filmat in 12 ani succesivi, se concentreaza pe Mason, care este un visator cu o zi fericita, in varsta de 6 ani, cand filmul se deschide si are 18 ani si incepe facultatea cand ajunge la sfarsitul transportului. Pe masura ce un an se strecoara in urmatorul, Mason creste in fata ochilor tai, o evolutie care uneori pare abia sesizabila, dar alteori te poate lovi, amintind acele momente in care te uiti in oglinda si te intrebi, Unde a trecut timpul?

Manohla Dargis l-a intrebat pe domnul Linklater despre realizarea filmului. Iata fragmente editate din comentariile sale:

Richard Linklater A fost profund personal pentru oameni si nu prea am anticipat asta, ci doar spuneam aceasta mica poveste intima. Dar atunci cand au aparut acele raspunsuri, am fost, bineinteles, bineinteles – a fost puternic. Cautam conexiune. Acest film te atrage sa-ti pese de oameni si sa simti cum este sa treci timpul, sa se schimbe viata, sa se schimbe relatiile. Cine nu a crescut, nu a avut frati sau a plecat de acasa? M-am gandit ca ar putea raspunde persoanele in varsta, dar mi-am dat seama ca povestesc viata si vremurile unei generatii.

Oamenii ar face doar legatura pe care au avut-o. „O, fiica mea tocmai a plecat la facultate sau fiul meu a plecat la facultate” sau „Tocmai am plecat la facultate. Am vazut filmul tau si am sunat-o pe mama si i-am spus ca acum imi dau seama prin ce trece. ” Trecem cu totii prin lume prinsi in povestea noastra, in propriul nostru punct de vedere. Dar un film poate impune cu adevarat acele alte puncte de vedere – aceasta este puterea de a povesti.

Manohla Dargis Olivier Assayas este genul de regizor care trimite critici in reverii, dar este si un povestitor inteligent si intelept. „Summer Hours” se deschide la o petrecere de ziua de nastere pentru o femeie de 70 de ani (Edith Scob), care este inconjurata de familia ei, inclusiv de cei trei copii adulti ai ei. Esti cufundat imediat in relatiile lor complexe si spinoase, partial pentru ca mamele sunt declansatoare extraordinare – indiferent daca este mama lui Bambi sau aceasta, nu poti ajuta (fericit sau nu), dar gandeste-te la a ta. Filmul te atrage, de asemenea, pentru ca totul este atat de frumos – si francez – oamenii, casele, mobilierul, gradinile. „Summer Hours” este despre viata, moarte, impermanenta (si cinema), dar este si despre a fi francez.

AO Scott Domnul Assayas considera ca este francez cu drag si scepticism, asa cum fac multi francezi. Pentru personajele sale, partile estetice si senzoriale ale vietii sunt incurcate in idei, iar ideile rezida in emotii si obiecte. In „Orele de vara”, o problema practica de genul cu care s-au confruntat multe familii – ce sa faca cu proprietatea unui parinte mort, in acest caz, inclusiv picturi si smecherii care pot avea mai mult decat o simpla valoare sentimentala – devine o drama surprinzator de captivanta despre mortalitate , familia si efectele globalizarii asupra vietii europene.

Unul dintre fii (Jeremie Renier) este un om de afaceri care locuieste in China impreuna cu familia sa. Sora lui (o Juliette Binoche minunata de abraziva) este artista in New York. Ei si fratele lor nostalgic (Charles Berling) isi iau ramas bun nu numai de la vechea casa de tara, ci si de ideea Frantei pe care au pretuit-o si au luat-o de la sine. Domnul Assayas, extrem de constient de statutul sau de parte a generatiei de dupa 1968, aduce un sentiment de istorie tuturor filmelor sale. Totusi, acesta poate fi cel mai prescient al sau. De asemenea: mama avea un gust excelent in chestii.

Dargis Are un gust superb, dar si-a transformat nu doar casa, ci si viata intr-un muzeu, ceea ce fac oamenii. Este un muzeu frumos, adevarat, plin de mobilier art nouveau si lucrari de arta importante pe care le protejeaza cu atentie, poate narcisist, mai degraba mai atent, simtiti, decat relatiile sale cu copiii ei. Este o custoda de protectie atat de mare incat nu este o surpriza faptul ca doi dintre copii sunt oarecum deconectati de ea si de casa si tind sa coboare neregulat (in timpul orelor de vizita ale titlului). Mai mult decat majoritatea regizorilor, domnul Assayas este profund sensibil la urgenta urmatoarei generatii, motiv pentru care cred ca acesta este si un film despre cinema.

Scott El este un fost critic de film – nu de aceea l-am pus pe aceasta lista. (Sau oricum nu singurul motiv.) El este, de asemenea, fiul unui scenarist si cineva a carui fascinatie pentru istorie este incurcata in fascinatia sa pentru filme. „Summer Hours” este o scrisoare de dragoste catre cinematograful francez, dar si o privire dura asupra viitorului sau. Se termina cu nepoata care isi ia ramas bun de la un drept de intai nascut si revendica alta – dreptul de a fi tanar, sexy si filosofic si impetuos, tot ceea ce filmele franceze au invatat generatii de admiratori cum sa fie.

Assayas este un fost critic de film – nu de aceea l-am pus pe aceasta lista. Este, de asemenea, cineva a carui fascinatie pentru istorie este incurcata in fascinatia sa pentru filme.

Manohla Dargis Kathryn Bigelow a facut istorie cand a devenit prima femeie care a castigat Oscarul pentru cel mai bun regizor, pentru „The Hurt Locker”. In cele din urma, o regizoare geniala a fost recunoscuta pentru arta sa de o industrie dominata de barbati, care ramane patologic rezistenta la egalitate. Atunci a fost o etapa cinematografica si politica; inca este. Si, desi poate parea paradoxal faptul ca doamna Bigelow a fost onorata pentru un film de razboi in care femeile sunt in mare parte absente din punct de vedere fizic, masculinitatea – cu nemultumirile, ritualurile, enigmele si capacitatea uluitoare, anihilatoare pentru violenta – a fost de mult marele ei subiect.

Faptul ca aceasta violenta se auto-anihileaza este un adevar angoasat in „The Hurt Locker”, care se afla in Bagdad si in jurul sau in timpul razboiului din Irak din anul dupa invazia americana. Povestea urmareste trei membri ai unei echipe de eliminare a armelor explozive care dezarmeaza bombele de pe marginea drumului. www.solocasa.es Punctul axei povestii este seful de echipa volatil al echipei, Staff Sgt. William James (Jeremy Renner), a carui expertiza s-a transformat intr-o manie cumplita. El nu isi asuma doar riscuri evitabile – transpiratia cazand de pe el, un James exasperat isi scoate costumul de protectie cu bomba in timp ce incearca sa dezarmeze un exploziv – se repede chiar la ele.

• amazon de
• bistriteanu
• program penny
• facebook.com
• toate diamantele
• ivermectina
• apropo
• radio cafe
• campus virtual
• wallpaper desktop
• escorte
• whatsapp
• dacia logan 2020
• mathaus
• vk
• solitaire spider
• pnl
• picasso
• boruto
• ilie nastase

Razboiul i-a dat lui James o treaba de facut si este foarte, foarte bun la asta. Razboiul ii confera rang, statut, camaraderie (uneori cearta) si, aparent, un scop. Razboiul l-a distrus si pe James, desi nu la propriu si cu siguranta nu in modul in care ne invata majoritatea filmelor atunci cand arata catastrofa razboiului, cu gesturile lor eroice perfectionate si naratiunile despre sacrificiul nobil. Moartea lui James nu este de la distanta spectaculoasa sau inspiratoare; nu ajunge cu glont. Este, in schimb, cea mai lenta dintre morti vii, una care il mananca cu groaza de zi cu zi, la fel de invariabila si familiara ca bifarea tuturor acestor bombe.

Regizorul francez Francois Truffaut a spus odata: „Fiecare film despre razboi ajunge sa fie pro-razboi”. Mi-as dori sa fi trait suficient de mult pentru a vedea „The Hurt Locker”, un film anti-razboi nu pentru ca ofera o critica usoara a razboiului, ci pentru ca ne aminteste de modul in care fiintele umane au nevoie de razboi, de modul in care traiesc pentru razboi la fel de intens ca si cum mor pentru aceasta. Doamna Bigelow, care a regizat dintr-un scenariu de Mark Boal, mi-a spus prin e-mail ca s-au confruntat cu provocarile de a face acest lucru cu cata onestitate au putut. „Razboiul din Irak”, a adaugat ea, „a fost dureros sub raportat – am privit filmul ca pe o forma de jurnalism, am simtit ca sunt necesare mai multe informatii pentru acest angajament militar extrem de contestat”.

Dargis si Scott Clasificarea operei lui Joel si Ethan Coen este o industrie minora pe internet, asa ca nu a fost surprinzator faptul ca solicitarea noastra de asistenta a stupilor in alegerea celei mai bune caracteristici Coen din secolul 21 a intampinat un raspuns rapid si clamorous . Fanii Coen sunt cunoscuti, dogmatici si predispusi la contrarianism. Un numar surprinzator dintre acestia s-au ridicat pentru „Intolerable Cruelty” si „Burn After Reading”; „O Frate, unde esti” si „True Grit” si-au avut partizanii. Foarte repede, insa, a aparut o cursa cu trei cai printre „Nici o tara pentru batrani”, „Un om serios” si „In interiorul lui Llewyn Davis”.

Academia a favorizat „Nici o tara”, desigur – singurul dintre filmele lui Coens care a obtinut o statueta cu cea mai buna imagine – dar, pe masura ce admiram dexteritatea pe care au adus-o adaptarii romanului lui Cormac McCarthy, am fost mai emotionati si intrigati de metafizica din „A Serious Man” si melancolia din „Inside Llewyn Davis”. Am vacilat intre cei doi. Le-am rugat pe Coen sa aleaga un favorit (fara rezultat). Am cautat mesaje sculptate in dinti si codificate in versurile cantecelor populare vechi.

Am mers cu drama „Inside Llewyn Davis” pentru ca … din cauza pisicii. Datorita circularitatii viclene a povestii. Din cauza coloanei sonore. Datorita ochilor tristi ai lui Oscar Isaac si a capabilitatii capabile de a degetele. Daca am judecat gresit sau am inselat, bine. Exact asta tind sa faca oamenii din filmele cu fratii Coen.

Manohla Dargis „Timbuktu” linistit si devastator se strecoara pe tine scena cristalina cu scena cristalina. Situat in prezent, are loc in orasul malian cu titlul sau, la scurt timp dupa sosirea unui grup islamist care impune rapid legea Shariah populatiei rezistente. La inceput, povestea nu pare sa aiba un centru sau un protagonist. In schimb, regizorul Abderrahmane Sissako introduce momente de indignare, o abordare care ii permite sa creeze un portret mozaic al unui popor asediat.

O femeie memorabila se plimba pe strazi, cu capul neacoperit, o bucata lunga de tesatura care o urmareste ca un tren de matca. Pare regala impermeabila jihadistilor, care, chiar si atunci cand incalca legi legea Shariah, incearca sa-i politeze pe localnici. Muzica este interzisa, la fel si tigarile si fotbalul. Un tanar care sfideaza interzicerea jocului este condamnat la 20 de lovituri. Dar imaginatia umana nu este la fel de usor de incarcerat si intr-o scena lirica, baietii joaca cu bucurie fotbalul cu o minge fictiva, precum doi jihadisti pe o motocicleta inconjoara terenul prafuit, momentan invinsi.

In timp, povestea se aseaza pe Kidane, un musulman care locuieste langa Timbuktu impreuna cu sotia sa, Satima, si fiica lor intr-un regat mic, linistit, pe dune. Multi dintre vecinii familiei au fugit dupa invazia jihadista, dar violenta pare sa fi trecut peste Kidane pana cand intr-o zi se va abate asupra lui cu razbunare. In timpul unei dispute cu un pescar, Kidane trage o arma. A fost adus in judecata in fata unui juriu jihadist, care se indreapta fara mila asupra adoptarii legii Shariah.

Geneza „Timbuktu” este un oribil incident din 2012 in care un cuplu malian necasatorit a fost ucis cu pietre de membrii grupului islamist Ansar Dine. Jihadistii au acuzat cuplul, care a avut copii, de relatii sexuale in afara casatoriei. Domnul Sissako, un musulman care s-a nascut in Mauritania si a crescut in Mali, a inceput sa lucreze la „Timbuktu” anul urmator, cautand sa atraga atentia asupra acestei atrocitati. Filmul este o mare opera de arta, dar este, de asemenea, un tribut adus victimelor musulmane ale terorii care, dupa cum a spus odata dl Sissako, „transforma Islamul in ceva imaginar”.

„Timbuktu” este un film tragic, dar nu si nihilist. Domnul Sissako nu se fereste sa arate violenta, dar niciodata nu senzationalizeaza oricare dintre orori. In schimb, el raspunde acelor atrocitati cu frumusete vizuala si momente de bucurie si placere de zi cu zi care, pe masura ce povestea se desfasoara, se inregistreaza ca acte de rezistenta artistica. El insista, de asemenea, pe umanizarea jihadistilor, ca atunci cand un barbat mai in varsta il indruma pe unul mai tanar despre cum sa tina un discurs pentru un videoclip de propaganda. („Discursul tau nu este convingator.”) Este o scena extraordinara, simultan absurda si credibila, si o reamintire a adevarului ca oamenii, nu monstrii fara chip, comit aceste orori.

Imaginatia umana nu este la fel de usor de incarcerat si intr-o scena lirica, baietii joaca cu bucurie fotbalul cu o minge fictiva, precum doi cercuri jihadisti, invinsi momentan.

Frederick Wiseman, regizorul filmului „In Jackson Heights”, nu este doar unul dintre cei mai mari regizori de documentare care lucreaza astazi; este unul dintre cei mai mari regizori. Subiectul sau este institutiile, in special barbatii, femeile si copiii care isi afirma umanitatea in scoli, birocratii si organizatii care par sa fi fost create pentru dezumanizare maxima. Printre admiratorii sai se numara Ava DuVernay, care a revazut unele dintre filmele domnului Wiseman inainte de a filma „13”, documentarul ei despre rasismul institutional si sistemul penal american. Manohla Dargis a intrebat-o despre influenta lui. Iata fragmente editate din conversatia noastra:

Ava DuVernay „Am vazut„ Liceul ”la UCLA, eram doar nituit. In primul rand, doar forma – „Ce este asta? La ce ma uit? – doar intimitatea. Sunt oameni din institutii, oameni care se lovesc de sisteme. Este fascinant cum gaseste aceasta intimitate in epopee si ca exista viata acolo in sisteme foarte lipsite de viata. Modul in care se misca camera si ce ma intereseaza ma intereseaza, desi nu stiam ca ma intereseaza pana cand a privit-o, pana cand mi-a aratat-o. Vazandu-l pentru prima data, s-a simtit pur si simplu crud. Nu ma pot gandi la un documentar pe care l-am vazut inainte de „Liceu”. Pentru mine a fost un documentar ”.

Editiile DVD si Blu-ray ale „In Jackson Heights” pot fi achizitionate de pe zipporah.com.

AO Scott Unii regizori sunt globetrotters si gen-hoppers, care se deplaseaza dintr-un loc in altul si stil in stil in urmarirea viziunilor lor. Fratii belgieni Jean-Pierre si Luc Dardenne prefera sa ramana aproape de casa, in si in jurul orasului industrial francofon Seraing. Povestile pe care le gasesc acolo – povesti dure si realiste care se simt ca parabole, cu exceptia cazului in care este invers, le-au castigat admiratori si imitatori. Au castigat o jumatate de duzina de premii la Cannes, iar influenta lor este vizibila in intreaga lume si in sus si in jos pe aceasta lista, de la „Timbuktu” la „Wendy si Lucy”.

„L’Enfant” – o poveste criminala plina de suspiciune si suspans, care este si o fabula spirituala – il priveste pe Bruno, un tanar criminal mic (Jeremie Renier), a carui iubita, Sonia (Deborah Francois), ramane insarcinata. A spune ca Bruno nu este echipat pentru paternitate este o subevaluare, iar solutia sa la problema unui nou-nascut este cu atat mai inspaimantatoare, deoarece are perfect sens pentru el. Tocmai am urmarit-o din nou si, desi am scris mii de cuvinte pe Dardennes, simt ca as putea lansa intr-o teza cu totul noua despre crestinism, prabusirea socialismului in Europa, Robert Bresson, munca de camera tremurata si orice altceva . Dar am fost, de asemenea, complet prins in poveste, tinandu-mi respiratia, desi stiam exact ce urmeaza.

Manohla Dargis O parte din ceea ce palpiteaza la filmele lor este ca, desi povestile par relativ simple, miza narativa este intotdeauna profunda si, ca in „L’Enfant”, o chestiune de literal si de moarte. Povestile implica in mod inevitabil alegeri morale crude si tipurile de caderi din har (sau doar decenta comuna) si transportarea rascumpararii pe care tindem sa o asociem cu crestinismul. Cu exceptia faptului ca harul din lumea Dardennes tinde sa se reduca la alegerea personala, care cred ca se leaga foarte mult de unul dintre punctele tezei tale: prabusirea socialismului in Europa. Intr-o lume sociala cazuta, avem doar unii pe altii si alegerile noastre.

Scott Care este sumbru, dar nu deznadajduit. Stramtorarea economica face parte din circumstantele lui Bruno si Sonia, dar au si acces la beneficiile social-democratiei si la bunavointa relativa a statului. Totusi, problema este ca sursele nemateriale de valoare s-au deteriorat. Religie, familie, solidaritate de clasa, mandrie in orasul natal – niciuna dintre acestea nu are puterea pe care o obisnuiau. Calculul acestei pierderi si accentul pus pe responsabilitatea personala (in special responsabilitatea paterna) fac din „L’Enfant”, intr-un fel, un film conservator.

Dargis Este conservator sau este logic, evident, corect si corect sa afirmati – asa cum o face filmul – ca tatal unui copil trebuie sa fie responsabil fata de acel copil, precum si fata de alte fiinte umane? Obligatiile noastre fata de ceilalti oameni fac parte din ceea ce ne face oameni si nu trebuie sa fii in dreapta sau in stanga (acolo unde sunt in mod clar Dardennes) pentru a vedea ca exista pericole evidente atunci cand aceste obligatii sunt delegate statului birocratic. Cred ca discutam chiar despre aceste intrebari, cred, vorbeste despre bogatia muncii lor. Dardennes realizeaza filme captivante care – ca in cazul de fata – sunt la fel de captivante ca un thriller grozav, dar transforma si spectatorii in filosofi morali si politici. Pentru a o spune in termeni Netflix, daca va plac filmele „The Wire” si in limbi straine – voila!

Dardennes fac filme captivante care sunt la fel de captivante ca un thriller grozav, dar transforma si spectatorii in filosofi.

Decorul este o tara africana fara nume, in care Maria – interpretata de o transcendenta Isabelle Huppert – se lupta sa tina plantatia de cafea a familiei sale in mijlocul unui razboi civil in escaladare. O poveste fracturata despre dragoste, forta, costurile patrimoniului alb si ravagiile continue ale postcolonialismului, „Material alb” o gaseste din nou pe stralucita regizoare franceza Claire Denis in Africa, unde si-a petrecut o mare parte din copilarie in tarile francofone. Aici, actorul Robert Pattinson, un admirator al „Materialului alb” si al doamnei Denis, a raspuns la cateva intrebari prin e-mail despre ambele puse de Manohla Dargis.

Cum ai descoperit filmele Claire Denis?

Robert Pattinson Am vazut „Material alb” in urma cu aproximativ sapte ani si a devenit favorita imediata.

Ce te atrage in mod specific spre munca ei?

Urmarind spectacolele din filmele ei, puteti simti doar libertatea pe care ea o da actorilor. Ea creeaza o lume intreaga pentru ca ei sa se poata comporta. Si cred ca avand parametri atat de largi pentru a capta lucruri din mijloacele sale, filmele ei pot fi construite dintr-o cantitate enorma de detalii incrementale, mai degraba decat dintr-un impuls narativ ingust. Filmele ei se simt ca valurile care se construiesc si se sparg.

Ce aduce Isabelle Huppert personajului Maria Vial?

Ea joaca un personaj care pare sa traiasca ferm in credinta si imaginatia ei si totusi se simte inca atat de uman, accesibil si crud.

Huppert este cea mai mare actrita vie a noastra?

Este greu sa te gandesti la cineva care este mai bun.

Oricat ar parea de Dargis si de Scott Strange, exista un caz puternic de spus ca Steven Spielberg se numara printre cei mai subevaluati realizatori americani ai secolului XXI. In anii 1990, a facut tranzitia de la artistul popular la autorul de prestigiu, rezervand deceniul cu impozantele drame istorice „Lista lui Schindler” si „Salvarea soldatului Ryan”. Cariera sa post- „Ryan” s-a remarcat printr-o productivitate extraordinara si o gama la fel de remarcabila, dar nu s-a bucurat de acelasi nivel de apreciere. Si totusi, cu verva si disciplina caracteristice, el a plonjat in science fiction, istorie, politica, animatie si spionaj. Analizand productia sa prodigioasa si proteana, am devenit convinsi ca cel putin una dintre cele mai recente duzini de trasaturi ale sale apartinea acestei liste.

Dar care? Unul dintre noi considera „AI” ca o capodopera nemuritoare. Celalalt a spus: „Peste trupul meu mort”. Impartasim convingerea ca „War Horse” nu si-a facut datoria (desi cea mai buna secventa de actiune din „Wonder Woman” aduce un omagiu viziunii sale intunecate si palpitante a razboiului de transee). Am numit „Podul Spionilor” „perfect” si „Lincoln” „splendid”, chiar daca unii dintre colegii nostri l-au ignorat pe primul si l-au scos pe al doilea. Dar am avut nevoie de ajutor pentru a ne hotari, asa ca am mers pe Facebook.

Si asta nu a facut decat sa inmulteasca ambiguitatea. In timp ce nimeni nu era dornic sa mearga la liliac pentru „Indiana Jones si Regatul Craniului de Cristal” sau „The BFG”, au existat fani care au imbratisat flotabilitatea „Prinde-ma daca poti”, cinetismul din „Aventurile lui Tintin” ”, Teroarea distopica a„ Minority Report ”si actiunea malefica a„ Razboiului lumilor ”.

Acest film face parte dintr-o trilogie libera de filme care evoca si raspund atacurilor din 11 septembrie si consecintelor acestora. Ne-am stabilit pe un altul din trilogie, „Munchen”, o drama controversata, adesea neinteleasa despre violenta, dreptate si razbunare. Amplasat in anii 1970, pe masura ce un grup de agenti israelieni sub acoperire ii indeparteaza pe teroristii responsabili de un atac oribil la Olimpiada de la Munchen, filmul este un thriller rasucitor si suspans, cu intrebari etice nelinistitoare si ambigue. Care este linia dintre justitie si razbunare? Cum poate supravietuirea decentei umane lupta impotriva fanatismului? Aceste intrebari nu si-au pierdut cu greu relevanta si nici „Munchen”.

Venerat in randul cineastilor si al criticilor din intreaga lume, regizorul taiwanez Hou Hsiao-hsien este departe de a fi un nume cunoscut pentru cinefilii americani. Minunat din punct de vedere vizual si subtil din punct de vedere emotional, filmele sale se intind pe genuri si perioade, explorand istoria chineza si viata contemporana cu spirit, curiozitate si rigoare formala. „Three Times” este impartit in trei sectiuni: „A Time for Love”, stabilit in 1966; „Un timp pentru libertate”, stabilit in 1911; si „Un timp pentru tineret”, stabilit in prezent. Fiecare capitol se refera la un barbat si o femeie – intotdeauna interpretati de aceiasi actori, Chang Chen si Shu Qi – ale caror dorinte romantice lumineaza si intr-un fel depasesc circumstantele lor istorice.

Influenta domnului Hou se extinde in intregime. Printre admiratorii sai se numara Barry Jenkins, al carui „Moonlight” a castigat premiul Oscar pentru cea mai buna imagine in acest an si a fost partial inspirat de „Three Times”. El si-a impartasit gandurile cu AO Scott prin e-mail. Iata extrase:

La vizionarea filmului:

Barry Jenkins Am vazut prima data „Three Times” la Festivalul de Film Telluride din 2005. A fost minunat, Roger Ebert a introdus filmul. I-a placut si, din fericire, s-a napustit peste el intr-un mod care nu a facut un film atat de delicat.

Despre locul lui Hou Hsiao-hsien in cinema:

Sunt aici la Cannes in acest moment si o fraza pe care o aud in continuare este „dincolo de cinema”. Hou Hsiao-hsien este dincolo de cinema. Adica asta nu in sensul ca formalismul sau este vechi sau de rigueur, ci mai mult pentru a accentua calitatea sinestezica a operei sale. Mestesugul sau este la fel de evocator ca oricare dintre stilistii mai curajosi pe care ii veneram ca autori, dar efectul la care ajunge este mult mai delicat, evaziv din fire.

Cum „Three Times” a influentat „Moonlight”:

Structura „Three Times” este singurul impuls pentru structura „Moonlight”. Materialul sursa din care provine filmul nu era sub forma de triptic. Dincolo de aceasta, aceasta idee a unui tratament delicat al emotiilor care zbarcesc, a interioritatii tradusa prin imagini externe (si SUNET), mai degraba decat monolog interior, aceste lucruri le-am pastrat in inima si cap in timp ce „Moonlight” a evoluat in filmul care este.

AO Scott Inspirat de o pictura celebra din 1857 a lui Jean-Francois Millet, „The Gleaners and I” este un eseu cinematografic despre importanta valorizarii a ceea ce am putea fi tentati sa trecem cu vederea sau sa aruncam. Strangatorii de pe panza lui Millet sunt tarani francezi care aduna samburi de grau dupa recoltare. Combinatia lor de nevoie, economisire si demnitate inspira o cautare larga a omologilor actuali. Freegani, tezauri, artisti si pustnici – oameni care, din diverse motive, ies din ciclul implacabil al consumului si al deseurilor care defineste atat de mult din viata moderna.

Regizorul Agnes Varda – „eu” al titlului englez al filmului – se considera parte a acestui trib informal. O prezenta geniala, curioasa pe ecran, ea colecteaza imagini si anecdote care altfel ar fi prea usor neglijate. Rezultatul este un documentar greu de caracterizat si imposibil de uitat. Desi se poate simti fermecator – un tur asociativ liber al mintii si sensibilitatii producatorului sau – are o coerenta si o rigoare inconfundabile, cum ar fi o expozitie de muzeu sau o instalatie de arta.

Doamna Varda, singura femeie permisa intrarea in clubul de baieti al noului val francez, a migrat in centrul unei tendinte artistice transdisciplinare, internationale – o contra-traditie a ganditorilor critici si creativi care include prietena ei si candva colaboratorul Chris Marker, romancierul si criticul de arta John Berger, Patti Smith si alti artisti care sfideaza categoriile obisnuite. „Ma numesc Granny Punk”, mi-a spus odata doamna Varda, si intruchipeaza etosul sfidator, anarhic, de-a-ti facut-o, de punk rock, trecut si prezent.

In adevaratul spirit punk, „The Gleaners and I” se foloseste ca o declaratie estetica programatica si un protest impotriva modului in care lucrurile sunt. Colectarea, interpretarea si juxtapunerea obiectelor eterogene – picturi, cartofi, scoici, carti – este abordarea realizarii de arta cea mai apropiata de pulsul vietii. Nu exista un scop mai inalt decat sa apreciem particularitatea si unicitatea oamenilor, locurilor si momentelor, iar lucrurile pe care le adunam in jurul nostru sunt simboluri ale acestei aprecieri. Dar valul comertului ne transforma experienta la fel de de unica folosinta ca si gunoiul pe care il aruncam, lasandu-ne imediat inghesuiti de lucruri si infometati de sens.

Acest lucru este cu siguranta adevarat pentru filme. Sunt atat de multi dintre ei si vin si pleaca atat de repede incat este usor sa pierzi din vedere cum si de